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« Este taller no trata sobre el paisaje, el retrato o cualquier otro género en particular, sino sobre ti y tu fotografía. Una fuente de inspiración para pensar y trabajar de forma diferente. Inspiración para crear imágenes nuevas y únicas. »

Del 28 de mayo al 2 de junio de 2019, el Castillo de Montsoreau-Museo de arte contemporáneo acoge a los fotógrafos Paul Hill y Maria Falconer en un taller de 6 días sobre el tema de la inspiración.
En la agenda: presentaciones, ejercicios técnicos, salidas de campo, desafíos, debates entre participantes y facilitadores.

Paul Hill

« Hill trata de los grandes temas de la vida, pero su enfoque es oblicuo, evocador, siempre más allá, por eso nos conmueve. Si una cámara pudiera captar poesía, tal vez así sería. « El Guardián
Nacido en 1941 en Ludlow, Shropshire, Paul Hill trabajó como periodista desde finales de la década de 1950 hasta que se convirtió en fotógrafo independiente en 1965. Como fotoperiodista, trabaja para el Birmingham Post & Mail, The Guardian, The Observer, The Telegraph Magazine y la BBC, entre otros.
Se convirtió en profesor de fotografía a tiempo completo en el Politécnico de Trent en Nottingham en 1974, donde más tarde fue nombrado jefe del curso de Fotografía Creativa, precursor de todos los cursos actuales de educación superior centrados en los estudiantes. En ese momento él y su esposa Angela crearon The Photographers’ Place – el primer estudio de fotografía residencial en el Reino Unido.
Desde 1970, ha expuesto regularmente en las Islas Británicas, Europa, Norteamérica, Japón y Australasia. Es coautor (junto con Thomas J. Cooper) de Dialogue with Photography (1979/2005), Approaching Photography (1982/2004), White Peak Dark Peak (1990) y Corridor of Uncertainty (2010).
Su obra forma parte de las colecciones de arte del Victoria and Albert Museum (Londres), el National Museum of Photography, Film and Television (Bradford), el Arts Council England, la Bibliothèque Nationale de France (París), el Stockholm Museum of Modern Art, la Australian National Gallery (Canberra), el Museum of Fine Arts de Houston y el Cleveland Museum of Art (EE.UU.). Ex miembro del primer comité de fotografía del Consejo Canadiense en la década de 1970, ayudó a crear el Derby Festival of Photography en 1991 y, durante cuatro años, fue director de East Midlands Arts.
Debido a su gran influencia en la fotografía británica contemporánea, fue nombrado miembro de la Royal Photographic Society en 1990 y, cuatro años más tarde, la Reina le otorgó un MBE por sus servicios a la fotografía. Entre 1995 y 2010 fue profesor en la Universidad De Montfort de Leicester.
Para saber más sobre el tema

María Falconer
Maria Falconer es fotógrafa, profesora y escritora. Tiene un BA Hons in Dance Theatre (Laban) y una Maestría en Estudios Fotográficos (Universidad de Westminster). Enseña en la Universidad de Montfort.
El trabajo de María se centra especialmente en la fotografía y el vídeo de danza. Colabora con el Scottish Dance Theatre, Ballet Ireland, Dance Base (Scottish National Dance Centre), el Edinburgh Fringe Festival y otros.
Su trabajo se publica en The Guardian, The Times, The Herald y The Scotsman.
Dirige regularmente talleres especializados en fotografía de danza y escribe para revistas como Royal Photographic Society Journal.
Los proyectos fotográficos personales de María Falconer se inspiran a menudo en su formación en danza contemporánea, utilizando el cuerpo y la cámara como medio para expresar sus ideas y experiencias. En 2011, recibió una beca de la Royal Photographic Society en reconocimiento a su proyecto fotográfico « Keep Her Innoticed ».
Sus fotografías se exponen en el Reino Unido, Estados Unidos, Bélgica, Irlanda, Asia Oriental y en el Festival de la Photographie d’Arles.
Para saber más sobre el tema

Nivel
Se aceptan principiantes.
Reserva hecha antes del 31 de diciembre de 2018: £465
Reserva hecha después del 31 de diciembre de 2018: £495
El precio incluye:
Los gastos administrativos.
Traslados desde y hacia la estación de Saumur.
Transporte desde y hacia Brézé y Chinon.
Entrada al castillo de Brézé.

Información
María Falconer
Tel. +44 (0)7740 985 887 / maria@mariafalconer.co.uk
Paul Hill
Tel. +44 (0)7977 700 274 / paul@hillonphotography.co.uk
Reserve aquí

¿Está muerta la poesía? ¿Cuál es el punto en común entre « pareja vacía », « pereza olímpica », « bestia balante » y La Recherche du temps perdu?  ¿La llegada de la tecnología digital ha dado lugar a un nuevo lenguaje?
Etienne Candel y Nicolas Lelièvre, cada uno a su manera, desvían, empujan y dan forma a las palabras. Están surgiendo universos nuevos, confusos e inestables. Pensamos que habíamos dicho todo sobre la obra maestra de Proust. Fue hasta que Nicolas Lelièvre lo tomó y propuso un nuevo arreglo. Pensamos que el número de caracteres establecidos por Twitter limitaba nuestros intercambios a datos objetivos. Esto fue hasta que las « ironías » de Etienne Candel inundaron el lienzo.
Profesor de literatura moderna, licenciado en literatura comparada y francés como lengua extranjera, eMMaNuel vasliN (@emmanuel_vaslin) es un observador entusiasta de los nuevos enfoques lingüísticos.
Dirigirá el encuentro entre Nicolas Lelièvre y Etienne Candel.

Reunión – dedicación – librería de vidrio / museo
Hora: 4:30 pm – 6:30 pm
Entrada gratuita

Ironèmes de Etienne Candel. Es una caja que almacena, sobre 47 metros de rollo, unos 900 textos tomados del continuo flujo de escritura que caracteriza a su autor en las redes digitales. Étienne Candel produce diariamente estas mínimas alteraciones del lenguaje. Representando varias decenas de miles de textos en un período de unos seis años, las ironías proliferan como si se tratara de un libro permanente de escritos salvajes. Lapsus, ingenio, diversiones sorprendentes, falsos proverbios, manipulaciones divertidas, expresiones erróneas, desvían el lenguaje de su uso ordinario y sugieren otro mundo posible, otros significados, otras formas de ver, como en los sueños.
Derrotadas de la corriente y ahora conservadas en su libro de cajas, las ironías así publicadas conjugan la forma del rollo medieval y el desplazamiento contemporáneo de las pantallas. El trabajo editorial está firmado por Peuple caché, un colectivo discreto, un activista de la renovación de los formatos.

Étienne Candel trabaja en los márgenes: primero como poeta sobre los espacios libres de sus cuadernos Bachot, explora el campo de los ironemas y teoriza gradualmente sus contornos. Próximamente publicará una rehabilitación práctica de la basura y los residuos voluminosos (Discurso sobre los residuos, que publicará Surfaces Utiles, 2019). En su enfoque artístico, donde se involucra en el diálogo entre la investigación y la creación, colabora con diseñadores gráficos, pintores y codificadores. Actualmente está preparando un catálogo y un bestiario imposible. https://ironemes.peuplecache.com
Twitter: @etienne_cdl

En la orden de Nicolas Lelièvre presenta todo el primer volumen de À la Recherche du Temps Perdu de Marcel Proust, reorganizado en orden alfabético. De la historia, los personajes y las situaciones sólo queda la materia prima. Navegar a través de esta larga lista, sin embargo, ofrece una experiencia visual real a través de repeticiones y variaciones tipográficas. Perfectamente arbitrario, el ranking también produce nuevas asociaciones de ideas y sensaciones.

Investigación « en forma de kit », para mirar en lugar de leer, entre la literatura y la estadística. Un viaje plástico al campo léxico proustiano.

Nicolas Lelièvre, un arquitecto que se graduó en 2001, primero se centró en las imágenes. Si los espacios urbanos y el material de las imágenes digitales permanecen entre sus campos de juego favoritos, es un cuestionamiento más global de la realidad lo que hace que su práctica evolucione con cada proyecto. Cada propuesta examina un fragmento específico extraído de la realidad inmediata e intenta construir un pensamiento para ser experimentado. Estos desvíos visuales, espaciales o semánticos requieren fotografía, vídeo, informática, escritura, construcción de objetos o intervención in situ.
www.nicolaslelievre.com

ESAD TALM FESTIVAL DE ACCIONES ARTISTICAS

Miércoles, 6 de marzo de 2019
2pm-5pm
Entrada gratuita

Para cerrar tres días de talleres e intercambios con la artista Grace Ndiritu, los alumnos de la Ecole Supérieure d’Art et de Design Tours-Angers-Le Mans ofrecen una tarde de actuaciones en el Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain el miércoles 6 de marzo.
Festival coordinado por Chloé Maillet y Natsuko Uchino

Grace Ndiritu

Grace Ndiritu trabaja en performance, pintura, video, fotografía, investigación. En 2012, Grace Ndiritu tomó la decisión radical de pasar tiempo en la ciudad sólo cuando fuera necesario y vivir en comunidades rurales, alternativas y a menudo espirituales, mientras ampliaba su investigación sobre estilos de vida nómadas y estudios esotéricos como el chamanismo, que ha estado estudiando durante más de 16 años. Su investigación sobre la vida comunitaria condujo a la creación de The Ark: Centro de Experimentación Interdisciplinaria.
En 2012, Grace Ndiritu también comenzó a crear una nueva obra titulada Healing The Museum, nacida de la necesidad de reintroducir métodos no racionales como el chamanismo para reactivar la « sacralidad » de los espacios de arte. Grace Ndiritu cree que la mayoría de las instituciones de arte moderno no reflejan las experiencias cotidianas del público y que los numerosos cambios socioeconómicos y políticos que se han producido en el mundo en las últimas décadas han erosionado la relación entre los museos y su público. Los museos se están muriendo. Grace Ndiritu ve el chamanismo como una manera de reactivar el espacio artístico moribundo transformándolo en un espacio para compartir.
Grace Ndiritu expone en muchos museos: Museo Moderno de Arte de Varsovia; Centre Pompidou, París; Chisenhale Gallery, Londres; Ikon Gallery, Birmingham, Fundación Antoni Tàpies, Barcelona; Laboratoires d’Aubervilliers, París; Glasgow School of Art; Klowden Mann Gallery, Los Ángeles; La Ira De Dios, Buenos Aires y la 51ª Bienal de Venecia.
www.gracendiritu.com

Natsuko Uchino
Natsuko Uchino es una artista interdisciplinaria japonesa, graduada de Cooper Union (NYC) y de la CCA Kitakyushu (Japón), representada por las galerías Green Tea (Japón) y Last Resort (Dinamarca). Desarrolla una práctica transversal entre arte y ecología. Impulsada por su experiencia en el cultivo mixto para descompartimentar las disciplinas artísticas, inició la cerámica con el objetivo de crear recipientes para su producción agrícola con la misma tierra que había nutrido la cosecha. Desde entonces, un aprendizaje en el pueblo artesanal de Tamba en Japón ha confirmado el interés del artista por el medio cerámico, que en su trabajo sirve de bisagra entre la agricultura, el paisaje, el medio ambiente y la convivencia. Natsuko Uchino participó en la residencia del Centre International d’Art et du Paysage – Ile de Vassivière en 2014, luego trabajó en 2015 sobre temas de arte en el medio natural con la Ecole Cantonale d’Art du Valais, y sobre la ruralidad con la revista Peeping Tom Digest. Natsuko Uchino es profesora de escultura y cerámica en ESAD Le Mans.

Chloé Maillet
Chloé Maillet es artista e investigadora. Estudió historia e historia del arte en París 1 Panthéon-Sorbonne. Es doctora en antropología histórica por la EHESS (Ecole des Hautes études en Sciences Sociales), siguió el programa Pabellón (Palais de Tokyo, 2008-2009), la Coopérative de Recherches de l’Ecole Supérieure d’Art de Clermont-Métropole (2014-2015), y realizó estudios de postdoctorado en el Musée du Quai Branly (2015-2016). Corresponsal de ALHOMA-CRH (EHESS), miembro del consejo editorial de Images re-vues desde 2005, es especialista en temas de género y parentesco y ha publicado numerosos artículos en revistas de historia, historia del arte y antropología. Su tesis, La parenté hagiographique, XIII-XVe s. fue publicada por Brepols en 2014, está preparando un libro titulado Transgenre au Moyen Âge? de Arkhê.
A dúo con la artista Louise Hervé, fundó en 2001 el I.I.I.I.I.I.I. (International Institute for Important Items), donde realiza performances, películas de género e instalaciones. Credac (Ivry-sur-Seine), Kunsthal Aarhus (DK), Passerelle (Brest), Contemporary Art Gallery (Vancouver, CAN), Synagogue de Delme, FRAC Champagne Ardenne y Kunstverein Braunschweig (DE) organizaron presentaciones individuales de su trabajo. Han publicado Attraction étrange, JRP (2013), Spectacles sans objet/Spectacles sans objects, Editions P y Pork Salad Press, 2016, L’Iguane, eds. Fundación Thalie, 2018.
Es profesora de historia y teoría de las artes en ESAD Angers.

Y también
Conferencia de Grace Ndiritu en conversación con Chloé Maillet y Natsuko Uchino
Lunes 4 de marzo de 2019 a las 6 de la tarde.
ESAD Angers Room TO.
Entrada gratuita.
Conferencia en inglés.

Del 13 al 19 de mayo, con motivo de la Museum Week, el Castillo de Montsoreau-Museo de arte contemporaneo, socio del evento, se une a Wikipedia para organizar un maratón Edit-A-Thon o maratón editorial de una semana para mujeres. El objetivo de Edit-a-thon es crear contenido sobre obras de Art & Langauge y luchar contra la falta de contribuciones de las mujeres a Wikipedia (menos del 10% de los editores de Wikipedia son mujeres).

El maratón de Edit-A-Thon: ¿quézako?
Una edición es una sesión durante la cual un grupo de personas descubre y contribuye a la enciclopedia en línea Wikipedia, sobre un tema basado en los recursos disponibles. Estas personas pueden: crear un artículo, traducir un artículo de una Wikipedia extranjera, enriquecer un artículo existente (reestructurar, añadir contenido), añadir fuentes a un artículo, subtitular fotos, encontrar fotos libres de derechos para ilustrar un artículo o corregir artículos existentes.
En el Château de Montsoreau-Museo de arte contemporáneo, este reto de colaboración adopta un nuevo formato -una semana ininterrumpida de contribuciones- y se dirige en particular a las mujeres homenajeadas durante la Semana de los Museos con el hashtag #WomenInCulture.

Museum Week

Cada día un hashtag, cada día una o más obras del colectivo Art & Language serán objeto de contribuciones durante el edicto.

Lunes: #WomenInCultureMW

–Victorine, 1981 (libretto of a police opera whose act was performed at the Whitney Museum Biennale in 2012)

Martes : #SecretsMW

–11 Studies for a Secret Painting, 1967

–Secret Painting, 1967

–Index: The Studio at 3 Wesley Place in the Dark III, 1982

–Portrait of V.I. Lenin in the Style of Jackson Pollock, 1978

Miercoles : #PlayMW

–The Air-Conditionning Show, 1966-67

–Index 01, 1972

–Microfilm Index, 1972

–Loop, 1967

–Index: Incident in a Museum, 1985-87

–Map of Itself , 1966-67

–Map to not Indicate , 1966-67

–Map of Ocean, 1966-67

Jueves : #RainbowMW

–Mother, Father, Monday: Map of the World, 2000

–Flags for Organizations, 1978

Viernes : #ExploreMW

–The Air-Conditionning Show, 1966-67

–Mirror Piece, 1965

Sábado : #PhotoMW

–Painting I Nr1 à Nr22, 1966

–Mirror Piece, 1965

–Portrait of V.I. Lenin in the Style of Jackson Pollock, 1978

–Microfilm Index, 1972

Domingo : #FriendsMW

-Red Crayola et Art & Language

– Jackson Pollock Bar

Requisitos previos
Ningún conocimiento particular de Wikipedia. Los participantes crearán primero una cuenta en Wikipedia (haciendo clic aquí). Se ofrecerá una sesión de capacitación, pero habrá asistencia disponible durante todo el evento. Se ruega a los participantes que traigan sus propios ordenadores portátiles y cargadores. El acceso Wi-Fi y el servicio de catering están incluidos. Tendrás libros de la colección documental del Château de Montsoreau-Museo de arte contemporáneo. Vea la página del proyecto del evento en Wikipedia.

FAQS
Founding principles
Wikipedia in brief: the essential thing to know
Interface: the operating instructions
Start on Wikipedia
Newcomer Support Forum

Del 10 de mayo al 5 de julio de 2019, la exposición Mappa Mundi presenta las nuevas adquisiciones del Castillo de Montsoreau-Museo de arte contemporáneo: 50 obras inéditas de Art & Language, expuestas por primera vez en Francia.
Expuesta en la última planta del museo, la exposición se inaugura con la instalación Mother, Father, Monday: Map of the World, 2000, una obra monumental compuesta por más de 150 pinturas monocromas que representan un gran mapa del mundo. Cada cuadro es autónomo pero también representa un detalle de un mapa del que forma parte. Como en The Snark Hunt de Lewis Caroll, el mapa se extiende y finalmente ocupa toda la superficie de la habitación.

La película Qui Pourra es una inmersión en el estudio de los artistas de Art & Language. El título hace referencia a un requerimiento de Gustave Courbet – « Averigua quién puede » – sobre su obra L’Atelier du Peintre. Los artistas están ausentes pero sus voces, lejanas, se escuchan como la voz en off de una película. A ellos se une otra voz, no identificada, que hace una entrada vacilante en forma de texto que poco a poco va invadiendo la imagen.

Producido en 2019, Ten posters: illustrations for Art-Language es una serie de diez posters producidos en 1977. Art & Language plantea la cuestión de cómo se realiza la obra. Al desviar los códigos de los carteles de propaganda y construir esta serie de carteles como una serie de imágenes, a la manera de los 7 pecados capitales, estos carteles nos hablan de los fundamentos de nuestra sociedad y especialmente de lo que hace que los códigos de la tragedia tengan éxito dentro de ella.

La exposición finaliza con una sala prohibida a los menores de 18 años en la que se presentan una serie de variaciones sobre textos pornográficos que evolucionan gradualmente hacia la comedia, a la manera de la Sra. Malaprope.

A partir del 6 de julio de 2019, el Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain dará carta blanca al artista suizo Roman Signer, conocido en todo el mundo por sus explosivas actuaciones y sus riesgos. La exposición pone la escultura y la fotografía en perspectiva y destaca la capacidad del artista para repensar los principios de la escultura contemporánea.

Un artista bajo tensión

Es un lugar común decir que la revolución es algo estúpido, arriesgado y peligroso. La exposición ocupa cuatro meses en la segunda planta del Château de Montsoreau-Museo de arte contemporáneo y reúne obras emblemáticas de Roman Signer como una serie de fotografías inéditas realizadas entre 1972 y 1986. Legendario por sus intervenciones sobre objetos que transforma con explosivos como fuerza motriz, Roman Signer también utiliza la instantánea para congelar sus preocupaciones. A lo largo de las fotografías expuestas, la naturaleza se revela como el taller del artista o, mejor dicho, como un laboratorio. Se invita al visitante a entrar y observar a distancia. Se convierte en espectador de los felices o catastróficos « accidentes » hábilmente orquestados por el artista (Ballon mit Spazierstock, 2016) en un momento en que la realidad se altera, modificada por un acontecimiento inesperado. La exposición muestra la obra de este artista, a menudo erróneamente percibida como en busca de lo espectacular y lo sensacional. Las obras elegidas muestran a Signer como un operador preciso y directo, negándose a escenificarse a sí mismo y rechazando el concepto de performance.

Escultor del tiempo

Encontramos allí la preocupación constante del artista por el turno de preguntas. Mucho tiempo, cuando un helicóptero interrumpe el improbable concierto de un pianista en un pontón de lago (Vers la Flamme und Roman Signer, 2014), poco tiempo cuando una serie de latas llenas de agua caen a toda velocidad desde el techo de una casa (Dachlawine, 2017). El viaje escenográfico subraya así el papel crucial de los cuatro elementos de la obra del artista, punto de partida y de llegada de sus obras.
Roman Signer reserva destinos sorprendentes para los objetos más inofensivos como un abanico o un globo, creando así una poesía de destrucción.

07/06/2019 – 11/06/2019
Todos los días de 10am a 7pm
Apertura al público el 6 de julio a las 18:00 horas

El domingo 21 de julio de 2019, el Castillo de Montsoreau-Museo de arte contemporáneo acoge a My-Lan Hoang-Thuy y Julien Carreyn para la presentación de tres publicaciones de la exposición « Verónica » presentada por el Frac Poitou-Charente desde el 8 de febrero hasta el 18 de mayo de 2019. En estas publicaciones, My-Lan Hoang-Thuy se aleja del formato tradicional del catálogo de la exposición para interpretar el corpus de imágenes creadas y producidas por Aurélien Mole y Julien Carreyn durante la edición « semi-ficcional » de su exposición Angoumoisine.

Librería del Museo – Entrada gratuita
Hora: 6:00 pm – 7:30 pm

Verónica
El FRAC de Nueva Aquitania invitó a Aurélien Mole, artista y fotógrafa especializada en la documentación del arte contemporáneo, a diseñar una serie de exposiciones basadas en sus colecciones fotográficas. Aurélien Mole se ha aliado con el artista Julien Carreyn cuya obra, sensible a la temporalidad de la estética, explora el potencial poético y simbólico del género artístico académico que es el desnudo. La exposición que diseñaron juntos puso de manifiesto la especial atención prestada por los tres FRAC de New Aquitaine a una fotografía de « fotógrafos », sobre todo durante la primera década de desarrollo de sus colecciones, cuando este medio aún no había sido ampliamente utilizado por los artistas visuales. La cincuentena de obras seleccionadas fueron seleccionadas subjetivamente por los curadores-artistas según un « corte estético », guiados por la siguiente pregunta: « ¿Qué fotografías nos gustaría ver traídas por una modelo desnuda a la sala de exposiciones? ». La exposición también presentaba obras fotográficas creadas por Aurélien Mole y Julien Carreyn durante el montaje.

Julien Carreyn
Julien Carreyn nació en Angers en 1973. Vive y trabaja en París. Después de trabajar como director artístico, Julien Carreyn reorientó su actividad hacia la producción de imágenes, dibujos y fotografías. Desde entonces, ha trabajado con gran perseverancia, casi obsesivamente, para producir una selección cada vez más densa y variada que explora la cultura de la imagen transversal, incluyendo los cómics eróticos de los años setenta, la pintura impresionista, la ilustración juvenil, etc. Más recientemente, en « Photographies du soir » de la Galería Crèvecoeur (París), las fotografías al aire libre de Julien Carreyn exploran nuestro país y sus dificultades para negociar su prestigio (esencialmente ligado al pasado), y para obedecer los criterios y gustos que se supone son los de las clases medias. No se trata de una aproximación crítica ni de un testimonio, sino más bien de un vuelo; un deseo de distancia cuyo punto de partida sería una zona periurbana al borde de la nada. Entre 2016 y 2017, Julien Carreyn presenta « Chez Bergeron » en Le Vent des forêts (Fresnes-au-Mont) así como una colaboración « Julien Carreyn con Ker-Xavier » en la Galerie des Multiples (París).

Aurélien Mole

Aurélien Mole nació en 1975 en Teherán. Es graduado de la Escuela del Louvre en Historia de la fotografía. Continuó sus estudios en la Ecole nationale supérieure de la photographie de Arles y concluyó sus estudios con un curso de formación sobre las prácticas de la exposición dirigida por Catherine Perret y Christian Bernard. Su obra ha sido objeto de exposiciones individuales en la Galerie Lucile Corty en 2009 (En bonne intelligence), en la Galerie Florence Loewy en 2010 (Le Catalogue), en la Villa du Parc en 2012 (Sir Thomas Trope). Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en Francia y Europa en general (Cargo Culte à la Vitrine; Répétition dans l’épilogue, galerie Lucile Corty; If I can’t Dance I don’t want to be part of your revolution, Van Abbe Museum; Double Bind, Villa Arson). Además, ha publicado regularmente reseñas de sus exposiciones en la revista Art21, así como monografías sobre artistas contemporáneos (Aurélien Froment, Guillaume Leblon, Gaël Pollin…). También organiza exposiciones basadas en dispositivos del colectivo le Bureau/(35h. en los Laboratoires d’Aubervilliers en 2004 P2P; en el Casino, Luxemburgo, en 2008) y en su propio nombre (Relationship of Command, Galerie J en Ginebra en 2007 ; Sfumato en Sassari en Cerdeña en 2008).

My-Lan Hoang-Thuy
My-Lan Hoang-Thuy nació en 1990 en Bourg-la-Reine. Vive y trabaja en París y asistió a un curso de formación en la École nationale supérieure des beaux-arts de París de 2015 a 2017.

« Dos cabezas. Quizás sea una obra de dos cabezas que dirige el artista visual My-Lan Hoang-Thuy. Sus creaciones están entrelazadas con dos culturas visuales, una occidental y otra oriental. La cultura occidental, por su parte, está ligada a sus estudios franco-suizos de diseño gráfico, donde la historia de sus códigos y su efecto sobre el condicionamiento de las mentes la impregnan. El resultado son creaciones que cuestionan el poder y el impacto del lenguaje visual en la sociedad. Es el caso de su serie de esculturas de madera firmadas por los grandes nombres del Valle del Sillicon (Sergey Brin o Mark Zuckerberg). Al dibujar en el espacio estos nombres de personalidades que están en el origen de las herramientas que utilizamos cada día, el artista ilustra una normalización en acción. Definir la herramienta influye en la forma. También se remonta a la fuente de una tipología de herramientas simbólicas (Mac, Photoshop, herramienta de búsqueda como Google) para revertir un cierto orden visual predecible. La otra parte de su obra, cuya fuente es más enterrada pero notable, proviene de esta cultura asiática, a veces kitsch, en sus palabras, que emerge en forma de materiales (nácar, madera) o de ciertos motivos florales, como sus flores tatuadas o esculturas que utilizan la estructura de los templos vietnamitas. Sus autorretratos sobre nácar, pequeños fragmentos de su propia imagen, reviven dos historias: la suya propia, por supuesto, pero también la de la fotografía desviada de su medio tradicional. Lo mismo ocurre con las fotografías que ha tomado de sus entornos personales, impresas en PVC, que permiten que la imagen vaya más allá del marco. Emancipar las técnicas, revertirlas: así es como se estructura el enfoque de una artista que conoce demasiado bien la técnica y las máquinas para no abusar de ellas, para conjurar lo predecible y desbaratar lo esperado ». (Por Léa Chauvel-Lévy)

El Castillo de Montsoreau-Museo de arte contemporaneao abre sus espacios de exposición a la práctica del yoga e invita a ser parte del lugar.

El sábado 10 y el domingo 11 de agosto a las 9 de la mañana, Garlone Bardel y Dominika Roslon, fundadores de Slo.TIME, instalarán sus clases de yoga en las salas del museo.

La práctica consta de dos etapas: Hatha Yoga, yoga postural, accesible a todos, que desata las tensiones corporales, y Yoga Nidra, que resulta en una triple relajación: mental, física y emocional.
En Yoga Nidra, sólo se pide escuchar, creando una sensibilidad particularmente refinada a las palabras, un verdadero trampolín sensorial hacia la experiencia de las obras de arte.
Al final del taller de Yoga, un desayuno del Yoga Cook Book escrito por Garlone Bardel será compartido en el restaurante Jean 2.
Una experiencia global, cuerpo y mente relacionados, donde el arte teje estrechos lazos con el arte de vivir, donde el contacto con la interioridad nos permite abrir los ojos al exterior con una conciencia expandida.

Slo.TIME nace del deseo común de Garlone Bardel y Dominika Roslon de poner sus competencias al servicio del ser humano para lograr un mayor discernimiento y armonía.
en la vida cotidiana, tejiendo vínculos entre la ecología individual y la global.
Según el refrán « Menos es más », ofrecen experiencias de yoga, alimentos para compartir y espacios para vivir, en adecuación con nuestras necesidades fundamentales de respeto por la Tierra, el cuerpo y la mente.
INSTAGRAM: @slo.time

Duración: 1h30
Precio: 25€ / persona
Número de plazas limitado a 20 personas.
Proporcione un equipo cómodo.
Equipamiento proporcionado: alfombras / cojines / mantas.
Reservas: 02 41 67 67 67 12 60 / contact@chateau-montsoreau.com