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CONCEPTUAL ART CONFERENCE MAY 28, 2018

art & language, art contemporain, art conceptuel, chateau de montsoreau musée d'art contemporain

On Monday, May 28, Géraldine Bretault returned to the adventure of the Art & Language movement, which radically revolutionized art history in the late 1960s by inventing conceptual art, after a series of lectures organized by Rotary Club on the evolution from impressionist painting to conceptual art. At the Château de Montsoreau-Museum of contemporary art in the Loire Valley, Géraldine Bretault meets Philippe Méaille, collector and founder of the museum.
The conference will be followed by a guided tour and a cocktail.

Adult: 14€
Child (-14 years old): 8€
Information / bookings: 02 41 67 12 60

Géraldine Bretault
A graduate of the École du Louvre in art history and museology, Géraldine Bretault is a lecturer-guide and translator in the cultural sector, a regular contributor to ICOM, INHA and the design journal Étapes. His lectures focus on interdisciplinarity, opening art history to architecture, dance and literature. She is the author of several audio guides of exhibitions and urban tours.

 

 

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LA PEAU DE CHAGRIN SEPTEMBER 14, 2018

La peau de Chagrin Balzac

The skin of Chagrin Balzac
19h30
Castle courtyard
Duration: 1h20

La Peau de Chagrin is a beautiful story, that of a delayed suicide: the story of a life.
It is the first great novel that Honoré signs with his name: Balzac. He puts everything he is then, his personal history, his many failures and his last strengths into it. Because he is not yet the author of the Human Comedy: for the moment, for him, not much has worked.
The myth of Faust does not serve him to find the meaning of life, but to take its measure. How much life do we have? And if we were aware of it, what would we do with it? From this shrinking skin Balzac draws the most romantic novel. On stage, four actors prepare for you a macabre dance, a bonfire, a disturbing banquet where this Peau de Chagrin would reduce without losing anything of its taste.

The New Popular Theatre
Le Nouveau Théâtre Populaire is a collective, which created in 2009, an open-air theatre festival in Fontaine-Guérin (49). The festival is growing, until it alternates between six shows per edition. It takes place every summer in August.
The company has also grown over the years. Today, it has twenty members: Pauline Bolcatto, Valentin Boraud, Julien Campani, Philippe Canalès, Baptiste Chabauty, Léo Cohen-Paperman, Thomas Chrétien, Emilien Diard-Detœuf, Clovis Fouin, Frédéric Jessua, Joseph Fourez, Sophie Guibard, Elsa Grzeszczak, Lazare Herson- Macarel, Lola Lucas, Morgane Nairaud, Antoine Philippot, Julien Romelard, Claire Sermonne and Sacha Todorov.
The troupe operates democratically, all decisions are made collectively, but each show has a director who retains his or her artistic uniqueness. Without wishing to assert dogma, the New Popular Theatre recognizes itself in Jean Vilar’s values: great texts, low prices, decentralization.
The festival has already featured Andersen, Brecht, Büchner, Claudel, Corneille, Feydeau, Fosse, Hugo, Maeterlinck, Molière, Novarina, Perrault, Shakespeare, Rabelais, Singer, Sophocles, Tchekhov, Winsor Mc Cay and two collective creations on the 5th Republic and the 1st World War. In 2018, for the 10th edition, the festival will be dedicated to La Comédie humaine after Balzac.
Subsidized by the Entente-Vallée (Beaufort-en-Anjou, Les Bois d’Anjou, Mazé-Milon, La Ménitré), the Ministère de la Culture-drac Pays-de-la- Loire and the Région Pays-de-la-Loire. With the support of the Théâtre National Populaire, the Quai-CDN d’Angers, and the communes of Beaufort-en-Anjou, Loire-Authion, Baugé-en-Anjou.

Reservations from July 23rd by phone, from 3pm to 6pm: 02 53 20 32 99, Monday to Saturday and Sunday August 19th and 26th and on www.festivalntp.com
Choice of rates: 5€, 10€ or 15€. In an ideal of cultural democratization, we propose a pricing system where everyone can choose the price of their place without having to justify their situation

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PAS SAGE / DJ SET ELECTRO/ MAY 19, 2018

nuit des musées

Museums Night

Olivier Slabiak aka OS69, a violinist by training (1st prize at the Royal Conservatory of Brussels), founded in 1992, with his brother, the gypsy and Yiddish music group « Les Yeux Noirs » with which he travels all over the world and records 8 albums. He was nominated in 1994 for the Victoires de la Musique awards. During this adventure at the heart of his own Jewish roots in Eastern Europe, Olivier developed his taste for electronic sounds and mixed traditional repertoire with the world of pop and electro-acoustics.
On May 19 he will be the guest of the Château de Montsoreau-Museum of contemporary art for an exclusive DJ set from 10pm to midnight. On the violin and turntables, Olivier takes you to the dancefloor for a night of museums that is anything but wise.

Practical
Price: 7,30€
Advance sale on site or by phone. 02 41 67 12 60

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1968. SPARTA DREAMING ATHENS 06.07-31.10.2018

Exposition 1968. Sparte rêve d'Athènes

« What we cannot talk about, we must keep silent, » wrote Wittgenstein.
How was the transformation into art expressed in 1968 and through which means of expression? Cacophony or silence? Has the mutation precipitated the end of painting in favour of other forms of expression?

Through major figures of Minimal Art, Pop Art and Conceptual Art, 1968. SPARTE RÊVE D’ATHÈNES tries to propose an answer to this question. It takes place over three months on the top floor of the museum and brings together works by leading artists from the late 1960s to the present day: Claes Oldenburg, Maria Marshall, Bernar Venet and many others. Immersed in the unexpected landscape of the Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain, works of art that have profoundly changed art history create a journey between memory, reverie and utopia. 1968. SPARTE RÊVE D’ATHÈNES tries to take stock of the painting crisis at the end of the 1960s. Has the resistance/rebellion against the established model given rise to a new contemporary language?

Art & Language / Victor Burgin / Dan Graham / Les Levine / Maria Marshall / Edward Rusha / Tony Smith / Bernar Venet

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PHOTOGRAPHY WORKSHOP 04-09.07.2023

« This workshop is not about landscape, portrait or any particular genre, but about you and your photography. A source of inspiration to think and work differently. Inspiration to create new and unique images. »


From July 4 to 9 2023, the Château de Montsoreau-Museum of contemporary art welcomes photographers Paul Hill and Maria Falconer for a 5-day workshop on the theme of inspiration.
On the agenda: presentations, technical exercises, field trips, challenges, debates between participants and facilitators.

 

Paul Hill

« Hill deals with the great subjects of life, but his approach is oblique, evocative, always beyond, that’s why he moves us. If a camera could capture poetry, maybe that’s what it would look like. » The Guardian
Born in 1941 in Ludlow, Shropshire, Paul Hill worked as a journalist from the late 1950s until he became a freelance photographer in 1965. As a photojournalist, he works for the Birmingham Post & Mail, The Guardian, The Observer, The Telegraph Magazine, and the BBC, among others.
He became a full-time professor of photography at Trent Polytechnic in Nottingham in 1974, where he was later appointed head of the Creative Photography course, the precursor to all current student-centred higher education courses. At that time he and his wife Angela created The Photographers’ Place – the first residential photography studio in the United Kingdom.
Since 1970, he has exhibited regularly in the British Isles, Europe, North America, Japan and Australasia. He is co-author (with Thomas J. Cooper) of Dialogue with Photography (1979/2005), Approaching Photography (1982/2004), White Peak Dark Peak (1990) and Corridor of Uncertainty (2010).
His work is part of the art collections of the Victoria and Albert Museum (London), the National Museum of Photography, Film and Television (Bradford), the Arts Council England, the Bibliothèque Nationale de France (Paris), the Stockholm Museum of Modern Art, the Australian National Gallery (Canberra), the Museum of Fine Arts in Houston and the Cleveland Museum of Art (USA). A former member of the Canada Council’s first photography committee in the 1970s, he helped create the Derby Festival of Photography in 1991 and, for four years, was director of East Midlands Arts.
Because of his major influence on contemporary British photography, he was appointed a Fellow of the Royal Photographic Society in 1990 and, four years later, was awarded an MBE by the Queen for services to photography. Between 1995 and 2010, he was a professor at De Montfort University in Leicester.
To know more about it

 

Maria Falconer
Maria Falconer is a photographer, teacher and writer. She holds a BA Hons in Dance Theatre (Laban) and a Master’s degree in Photographic Studies (University of Westminster). She teaches at the University of Montfort.
Maria’s work is particularly focused on photography and dance video. She collaborates with the Scottish Dance Theatre, Ballet Ireland, Dance Base (Scottish National Dance Centre), the Edinburgh Fringe Festival and others.
His work is published in The Guardian, The Times, The Herald and The Scotsman.
She regularly leads workshops specializing in dance photography and writes for magazines such as the Royal Photographic Society Journal.
Maria Falconer’s personal photographic projects are often inspired by her training in contemporary dance, using the body and camera as a means of expressing her ideas and experiences. In 2011, she received a scholarship from the Royal Photographic Society in recognition of her photographic project « Keep Her Innoticed ».
His photographs are exhibited in the United Kingdom, the United States, Belgium, Ireland, East Asia and at the Festival de la photographie d’Arles.
To know more about it

Price 
£495
The price includes :
The administrative costs.
Transfers from and to Saumur station.
Transport to and from Brézé and Chinon.
Entrance to the Château de Brézé.

Beginners accepted.

Information
Maria Falconer
Tel. +44 (0)7740 985 887 / maria@mariafalconer.co.uk
Paul Hill
Tel. +44 (0)7977 700 274 / paul@hillonphotography.co.uk
Book here

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MEETING WITH NICOLAS LELIÈVRE AND ETIENNE CANDEL 02.03.2019

Is poetry dead? What is the common point between « empty couple », « Olympic laziness », « bleating beast » and La Recherche du temps perdu?  Has the advent of digital technology given rise to a new language?
Each in his own way, Etienne Candel and Nicolas Lelièvre divert, push and shape words. New, confusing and unstable universes are emerging. We thought we had said everything about Proust’s masterpiece. It was until Nicolas Lelièvre took it and proposed a brand new arrangement. We thought that the number of characters set by Twitter limited our exchanges to factual data. This was until Etienne Candel’s « ironies » flooded the canvas.
Professor of modern literature, graduate in comparative literature and French as a foreign language, eMMaNuel vasliN (@emmanuel_vaslin) is a keen observer of new approaches to language.
He will lead the meeting between Nicolas Lelièvre and Étienne Candel.

Meeting – dedication – glass / museum bookshop
Time: 4:30 pm – 6:30 pm
Free entrance

Ironèmes of Etienne Candel. It is a box that stores, on 47 metres of roll, some 900 texts taken from the continuous flow of writing that characterizes their author on digital networks. Étienne Candel produces these minimal alterations of language on a daily basis. Representing several tens of thousands of texts over a period of about six years, ironies proliferate as if in a permanent book of wild writings. Lapsus, wit, surprising diversions, false proverbs, amused manipulations, erroneous expressions, they divert language from its ordinary use and suggest another possible world, other meanings, other ways of seeing, as in dreams.
Derobbed from the flow and now kept in their box-book, the ironems thus published bring together the shape of the medieval roll and the contemporary scrolling of the screens. The editorial work is signed Peuple caché, a discreet collective, an activist for the renewal of formats.

Étienne Candel works in the margins: first as a poet on the free spaces of his Bachot notebooks, he explores the field of ironems and gradually theorizes their contours. He will soon publish a practical rehabilitation of garbage and bulky waste (Discourse on Waste, to be published by Surfaces Utiles, 2019). In his artistic approach, where he engages in dialogue between research and creation, he collaborates with graphic designers, painters and coders. He is currently preparing a catalogue and an impossible bestiary. https://ironemes.peuplecache.com
Twitter: @etienne_cdl

In the order of Nicolas Lelièvre presents the entire first volume of Marcel Proust’s À la Recherche du Temps Perdu, rearranged in alphabetical order. From the story, characters and situations only the raw material remains. Browse through this long list, however, offers a real visual experience through repetitions and typographical variations. Perfectly arbitrary, the ranking also produces new associations of ideas and sensations.

Research « in kit form », to look at rather than read, between literature and statistics. A plastic journey into the Proustian lexical field.

Nicolas Lelièvre, an architect who graduated in 2001, first focused on images. If urban spaces and the material of digital images remain among his favourite playing fields, it is a more global questioning of reality that makes his practice evolve with each project. Each proposal examines a specific fragment drawn from immediate reality and attempts to construct a thought to be experimented with. These visual, spatial or semantic detours call for photography, video, computer science, writing, object construction or in-situ intervention.
www.nicolaslelievre.com

 

 

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PERFORMANCE FESTIVAL 06.03.2019

grace ndiritu

ESAD TALM STUDENT PERFORMANCE FESTIVAL
Wednesday, March 6th 2019
2pm-5pm
Free entrance

To close three days of workshops and exchanges with the artist Grace Ndiritu, the students of the Ecole Supérieure d’Art et de Design Tours-Angers-Le Mans are offering an afternoon of performances at the Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain on Wednesday, March 6th.
Festival coordinated by Chloé Maillet and Natsuko Uchino

 

Grace Ndiritu

Grace Ndiritu works on performance, painting, video, photography, research. In 2012, Grace Ndiritu made the radical decision to spend time in the city only when necessary and to live in rural, alternative and often spiritual communities, while expanding her research on nomadic lifestyles and esoteric studies such as shamanism, which she has been studying for over 16 years. His research on community life led to the creation of The Ark: Centre for Interdisciplinary Experimentation.
In 2012, Grace Ndiritu also began to create a new work entitled Healing The Museum, born of the need to reintroduce non-rational methods such as shamanism to reactivate the « sacredness » of art spaces. Grace Ndiritu believes that most modern art institutions do not reflect the daily experiences of the public and that the many socio-economic and political changes that have occurred in the world in recent decades have eroded the relationship between museums and their public. Museums are dying. Grace Ndiritu sees shamanism as a way to reactivate the dying artistic space by transforming it into a space of sharing.
Grace Ndiritu exhibits in many museums: Museum Modern of Art in Warsaw; Centre Pompidou, Paris; Chisenhale Gallery, London; Ikon Gallery, Birmingham, Antoni Tàpies Foundation, Barcelona; Laboratoires d’Aubervilliers, Paris; Glasgow School of Art; Klowden Mann Gallery, Los Angeles; La Ira De Dios, Buenos Aires and the 51st Venice Biennale.
www.gracendiritu.com

 

Natsuko Uchino
Natsuko Uchino is a Japanese interdisciplinary artist, a graduate of the Cooper Union (NYC) and the CCA Kitakyushu (Japan), represented by the Green Tea galleries (Japan) and Last Resort (Denmark). She develops a transversal practice between art and ecology. Driven by her experience in mixed farming to decompartmentalize artistic disciplines, she began ceramics with the aim of creating containers for her agricultural production with the same land that had nourished the harvest. Since then, an apprenticeship in the craft village of Tamba in Japan has confirmed the artist’s interest in the ceramic medium, which in his work serves as a hinge between agriculture, landscape, environment and conviviality. Natsuko Uchino participated in the residency of the Centre International d’Art et du Paysage – Ile de Vassivière in 2014, then worked in 2015 on art subjects in the natural environment with the Ecole Cantonale d’Art du Valais, and rurality with the Peeping Tom Digest magazine. Natsuko Uchino is a professor of sculpture and ceramics at ESAD Le Mans.

 

Chloé Maillet
Chloé Maillet is an artist and researcher. She studied history and art history at Paris 1 Panthéon-Sorbonne. She holds a doctorate in historical anthropology from EHESS (Ecole des Hautes études en Sciences Sociales), followed the Pavilion programme (Palais de Tokyo, 2008-2009), the Coopérative de Recherches de l’Ecole Supérieure d’Art de Clermont-Métropole (2014-2015), and post-doctoral studies at the Musée du quai Branly (2015-2016). ALHOMA-CRH Correspondent (EHESS), member of the Images re-vues editorial board since 2005, she is a specialist in gender and kinship issues and has published numerous articles in history, art history and anthropology journals. Her thesis, La parenté hagiographique, XIII-XVe s. was published by Brepols in 2014, she is preparing a book entitled Transgenre au Moyen Âge ? by Arkhê.
In duo with the artist Louise Hervé, she founded the I.I.I.I.I.I. (International Institute for Important Items) in 2001, where they produce performances, genre films and installations. Credac (Ivry-sur-Seine), Kunsthal Aarhus (DK), Passerelle (Brest), Contemporary Art Gallery (Vancouver, CAN), Synagogue de Delme, FRAC Champagne Ardenne and Kunstverein Braunschweig (DE) organized solo presentations of their work. They have published Attraction étrange, JRP (2013), Spectacles sans objet/Spectacles sans objects, Editions P and Pork Salad Press, 2016, L’Iguane, ed. Thalie Foundation, 2018.
She is a professor of history and theory of arts at ESAD Angers.

And also
Lecture by Grace Ndiritu in conversation with Chloé Maillet and Natsuko Uchino
Monday, March 4, 2019 at 6pm.
ESAD Angers Room TO.
Free admission.
Conference in English.

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EDIT-A-THON 13-19 MAY 2019

From May 13 to 19, on the occasion of Museum Week, the Château de Montsoreau-Museum of contemporary art, a partner of the event, is joining forces with Wikipedia to organize an Edit-A-Thon or one-week publishing marathon for women. Edit-a-thon aims to create content on Art & Language works and to fight against the lack of women’s contributions to Wikipedia (less than 10% of Wikipedia publishers are women).

 

Edit-A-Thon: quézako?
An editathon is a session during which a group of people discover and contribute to the online encyclopedia Wikipedia, on a theme based on resources made available. These people can: create an article, translate an article from a foreign Wikipedia, enrich an existing article (restructure, add content), add sources to an article, caption photos, find royalty-free photos to illustrate an article or correct existing articles.
At the Château de Montsoreau-Museum of contemporary art, this collaborative challenge adopts a new format – a non-stop week of contributions – and is aimed in particular at women honoured during Museum Week with the hashtag #WomenInCulture.

 

Museum Week

Every day a hashtag, every day one or more works of the Art & Language collective will be the subject of contributions during the edict-a-thon.

Monday: #WomenInCultureMW

–Victorine, 1981 (libretto of a police opera whose act was performed at the Whitney Museum Biennale in 2012)

Thuesday : #SecretsMW

–11 Studies for a Secret Painting, 1967

–Secret Painting, 1967

–Index: The Studio at 3 Wesley Place in the Dark III, 1982

–Portrait of V.I. Lenin in the Style of Jackson Pollock, 1978

 

Wednesday : #PlayMW

–The Air-Conditionning Show, 1966-67

–Index 01, 1972

–Microfilm Index, 1972

–Loop, 1967

–Index: Incident in a Museum, 1985-87

–Map of Itself , 1966-67

–Map to not Indicate , 1966-67

–Map of Ocean, 1966-67

 

Thursday : #RainbowMW

–Mother, Father, Monday: Map of the World, 2000

–Flags for Organizations, 1978

 

Friday : #ExploreMW

–The Air-Conditionning Show, 1966-67

–Mirror Piece, 1965

 

Saturday : #PhotoMW

–Painting I Nr1 à Nr22, 1966

–Mirror Piece, 1965

–Portrait of V.I. Lenin in the Style of Jackson Pollock, 1978

–Microfilm Index, 1972

 

Sunday : #FriendsMW

-Red Crayola et Art & Language

– Jackson Pollock Bar

 

Prerequisites
No particular knowledge of Wikipedia. Participants will first create an account on Wikipedia (by clicking here). A training session will be offered but assistance will be available throughout the event. Participants are requested to bring their own laptops and chargers. Wi-Fi access and catering are provided. You will have books from the documentary collection of the Château de Montsoreau-Museum of contemporary art. See the event’s project page on Wikipedia.

 

FAQS
Founding principles
Wikipedia in brief: the essential thing to know
Interface: the operating instructions
Start on Wikipedia
Newcomer Support Forum

 

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MAPPA MUNDI 10.05 – 05.07.2019

From May 10th to July 5th 2019, the exhibition Mappa Mundi presents the new acquisitions of the Château de Montsoreau-Museum of contemporary art: 50 unpublished works by Art & Language, shown for the first time in France.
Displayed on the top floor of the museum, the exhibition opens with the installation Mother, Father, Monday: Map of the World, 2000, a monumental work composed of more than 150 monochrome paintings representing a huge map of the world. Each painting is autonomous but also represents a detail of a map of which it is a part. As in Lewis Caroll’s The Snark Hunt, the map stretches and eventually occupies the entire surface of the room.

The film Qui Pourra is a dive into the studio of the artists of Art & Language. The title refers to an injunction by Gustave Courbet – « Find out who can » – about his work L’Atelier du Peintre. The artists are absent but their voices, far away, are heard as the voice-over of a film. They are joined by another voice, unidentified, which makes a hesitant entry in the form of a text that gradually invades the image.

Produced in 2019, Ten posters: illustrations for Art-Language is a series of ten posters produced in 1977. Art & Language raises the question of how the work is made. By diverting the codes from the propaganda posters and building this series of posters as a series of images, in the manner of the 7 deadly sins, these posters tell us about the foundations of our society and especially about what makes the success of the codes of tragedy within it.

The exhibition ends with a room banned to children under 18 years of age in which a series of variations on pornographic texts are presented, gradually evolving towards comedy, in the manner of Ms Malaprope.

 

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ROMAN SIGNER 06.07 – 06.11.2019

Sandobjekt

Starting from the 6th of July 2019, the Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain will give carte blanche to the Swiss artist Roman Signer, known throughout the world for his explosive performances and his risk-taking. The exhibition puts sculpture and photography in perspective and highlights the artist’s ability to rethink the very principles of contemporary sculpture.

An artist under tension

It is a commonplace to say that revolution is something stupid, risky and dangerous. The exhibition occupies four months on the second floor of the Château de Montsoreau-Museum of contemporary art and brings together Roman Signer’s flagship works such as a series of unpublished photographs taken between 1972 and 1986. Legendary for his interventions on objects that he transforms with explosives as a driving force, Roman Signer also uses the snapshot to freeze his concerns. In the course of the photographs on display, nature reveals itself as the artist’s studio or rather laboratory. The visitor is invited to enter and observe from a distance. He becomes a spectator of the happy or catastrophic « accidents » skilfully orchestrated by the artist (Ballon mit Spazierstock, 2016) at a time when reality is disrupted, modified by an unexpected event. The exhibition shows the work of this artist, often wrongly perceived as in search of spectacular and sensational. The works chosen show Signer as a precise and direct operator, refusing to stage himself and rejecting the concept of performance.

Time Sculptor

We find there the artist’s constant concern to question time. Long time, when a helicopter disrupts the improbable concert of a pianist on a lake pontoon (Vers la Flamme und Roman Signer, 2014), short time when a series of water-filled cans tumble at full speed from the roof of a house (Dachlawine, 2017). The scenographic journey thus underlines the crucial role of the four elements in the artist’s work, the starting and ending point of his works.
Roman Signer reserves surprising destinies for the most harmless objects such as a fan or a balloon, thus creating a poetry of destruction.

07/06/2019 – 11/06/2019
Every day from 10am to 7pm
Public opening on July 6 at 6pm

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VERONICA 21.07.2019

julien carreyn

On Sunday, July 21rst 2019, the Château of Montsoreau-Museum of contemporary art welcomes My-Lan Hoang-Thuy and Julien Carreyn for the launch of three publications from the « Veronica » exhibition presented by the Frac Poitou-Charente starting from February 8th  till May 18th 2019. In these publications, My-Lan Hoang-Thuy moves away from the traditional format of the exhibition catalogue, to give her interpretation of the corpus of images created and produced by Aurélien Mole and Julien Carreyn during the « semi-fictional » editing of their Angoumoisine exhibition.

Museum Bookstore – Free admission

Time: 6:00 pm – 7:30 pm

Veronica
The FRAC of New Aquitaine invited Aurélien Mole, an artist and photographer specializing in the documentation of contemporary art, to design a series of exhibitions based on their photographic collections. Aurélien Mole has joined forces with the artist Julien Carreyn whose work, sensitive to the temporality of aesthetics, explores the poetic and symbolic potential of the academic artistic genre that is the nude. The exhibition they designed together revealed the particular attention paid by the three New Aquitaine FRACs to a photograph of « photographers », particularly during the first decade of their collections’ development, when this medium had not yet been widely used by visual artists. The fifty or so works selected were deliberately selected subjectively by the curators-artists according to an « aesthetic cut »; guided by the following question: « Which photographs would we like to see brought by a nude model in the exhibition room? ». The exhibition also featured photographic works created by Aurélien Mole and Julien Carreyn during the montage.

 

Julien Carreyn
Julien Carreyn was born in Angers in 1973. He lives and works in Paris. After working as an artistic director, Julien Carreyn refocused his activity on the production of images, drawings and photographs. Since then, he has worked with great perseverance, almost obsessively, to produce an increasingly dense and varied selection which explores transversal image culture, including erotic comics from the 1970s, impressionist painting, youth illustration, etc. More recently, in « Photographies du soir » at the Crèvecoeur Gallery (Paris), Julien Carreyn’s outdoor photographs explore our country and its difficulties in negotiating its prestige (essentially linked to the past), and in obeying the criteria and tastes that are supposed to be those of the middle classes. It is neither a critical approach nor a testimony but rather a flight; a desire for distance whose starting point would be a peri-urban area on the edge of nothing. Between 2016 and 2017, Julien Carreyn presents « Chez Bergeron » at Le Vent des forêts (Fresnes-au-Mont) as well as a collaboration « Julien Carreyn with Ker-Xavier » at the Galerie des Multiples (Paris).

 

Aurélien Mole

Aurélien Mole was born in 1975 in Tehran. He is a graduate of the Louvre School in History of photography. He continued his studies at the Ecole nationale supérieure de la photographie in Arles and concluded his studies with a training course on the practices of the exhibition directed by Catherine Perret and Christian Bernard. His work has been the subject of solo exhibitions at Galerie Lucile Corty in 2009 (En bonne intelligence), Galerie Florence Loewy in 2010 (Le Catalogue), at the Villa du Parc in 2012 (Sir Thomas Trope). He has participated in numerous group exhibitions in France and Europe in general (Cargo Culte à la Vitrine; Répétition dans l’épilogue, galerie Lucile Corty; If I can’t Dance I don’t want to be part of your revolution, Van Abbe Museum; Double Bind, Villa Arson). In addition, he has regularly published reviews of his exhibitions in the magazine Art21, as well as monographs on contemporary artists (Aurélien Froment, Guillaume Leblon, Gaël Pollin…). He also organizes exhibitions based on devices within the collective le Bureau/(35h. at the Laboratoires d’Aubervilliers in 2004 ; P2P at the Casino, Luxembourg, in 2008) and in his own name (Relationship of Command, Galerie J in Geneva in 2007 ; Sfumato in Sassari in Sardinia in 2008).

 

My-Lan Hoang-Thuy
My-Lan Hoang-Thuy was born in 1990 in Bourg-la-Reine. She lives and works in Paris and attended a training course at the École nationale supérieure des beaux-arts de Paris from 2015 to 2017.

« Two-headed. Perhaps it is a two-headed work that the visual artist My-Lan Hoang-Thuy is directing. His creations are intertwined with two visual cultures, one western and the other far eastern. Western culture is, for its part, linked to its Franco-Swiss studies of graphic design where the history of its codes and its effect on the conditioning of minds permeate it. The result is creations that question the power and impact of visual language on society. This is the case with her series of wooden signature sculptures by the great names of the Sillicon Valley (Sergey Brin or Mark Zuckerberg). By drawing in space these names of personalities who are at the origin of the tools we use every day, the artist illustrates a normalization in action. Defining the tool is influencing the shape. It also goes back to the source of a typology of symbolic tools (Mac, Photoshop, search tool such as Google) to reverse a certain predictable visual order. The other part of her work, whose source is more buried but notable, comes from this Asian culture, sometimes kitsch, in her words, which emerges in the form of materials (mother-of-pearl, wood) or certain floral motifs, such as its tattooed flowers or sculptures that use the structure of Vietnamese temples. Her self-portraits on mother-of-pearl, small fragments of her own image, revive two stories: her own, of course, but also that of the photography diverted from its traditional medium. This is also the case with the photographs she has taken of her personal environments, printed on PVC, which allow the image to go beyond the frame. Emancipating techniques, reversing them: this is how the approach of an artist who knows the technique and machines too well is structured so that she does not abuse them, in order to conjure up the predictable and disrupt the expected ». (By Léa Chauvel-Lévy)

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YOGA 10-11 AUGUST 2019

The Château de Montsoreau-Museum of contemporary art opens its exhibition spaces to the practice of yoga and invites you to be part of the place.

On Saturday 10 and Sunday 11 August at 9 am, Garlone Bardel and Dominika Roslon, founders of Slo.TIME, will be setting up their yoga classes in the museum’s rooms.

The practice consists of two stages: Hatha Yoga, postural yoga, accessible to all, which unties body tensions, and Yoga Nidra, which results in a triple relaxation: mental, physical and emotional.
In Yoga Nidra, only listening is solicited, creating a particularly refined sensitivity to words, a real sensory springboard towards the experience of works of art.
At the end of the Yoga workshop, a breakfast from the Yoga Cook Book written by Garlone Bardel will be shared at the Jean 2 restaurant.
A global experience, related body and mind, where art weaves close links with the art of living, where contact with interiority allows us to open our eyes to the outside with an expanded consciousness.

Slo.TIME was born from the common desire of Garlone Bardel and Dominika Roslon to put their fields of expertise at the service of the human being in order to achieve greater discernment and harmony
in everyday life, weaving links between individual and global ecology.
According to the adage « Less is more », they offer yoga experiences, foods to share and spaces to live in, in adequacy with our fundamental needs of respect for the Earth, the body and the mind.
INSTAGRAM : @slo.time

Duration: 1h30
Price: 25€ / person
Number of places limited to 20 people.
Provide a comfortable outfit.
Equipment provided: carpets/cushions / blankets.
Reservations: 02 41 67 67 12 60 / contact@chateau-montsoreau.com

 

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Yoga 10-11 août 2019

Le Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain ouvre ses espaces d’exposition à la pratique du yoga et invite à faire corps avec le lieu.

Les samedi 10 et dimanche 11 août à 9 heures, Garlone Bardel et Dominika Roslon, fondatrices de Slo.TIME, installent leurs cours de yoga dans les salles du musée.

La pratique comprend deux temps : Hatha Yoga, yoga postural, accessible à tous permettant de délier les tensions corporelles et Yoga Nidra, ayant pour effet une triple relaxation: mentale, physique, émotionnelle.
Dans le Yoga Nidra, seule l’écoute est sollicitée, créant une sensibilité particulièrement affinée aux mots, véritable tremplin sensoriel vers l’expérience des œuvres d’art.
A l’issue de l’atelier Yoga, un petit déjeuner issu du Yoga Cook Book écrit par Garlone Bardel, sera partagé au restaurant Jean 2.
Une expérience globale, corps et mental reliés, où l’art tisse des liens étroits avec l’art de vivre, où le contact avec l’intériorité permet d’ouvrir le regard vers l’extérieur avec une conscience élargie.

Slo.TIME est né de l’envie commune de Garlone Bardel et Dominika Roslon de mettre leurs champs de compétences au service de l’humain pour tendre vers davantage de discernement et d’harmonie
dans le quotidien, tissant des liens entre l’écologie individuelle et globale.
Selon, l’adage « Less is more », elles proposent des expériences de yoga, des nourritures à partager et des espaces à vivre, en adéquation avec nos besoins fondamentaux de respect de la Terre, du corps et du mental.
INSTAGRAM : @slo.time

Durée : 1h30
Tarif : 25€ / personne
Nombre de places limité à 20 personnes.
Prévoir une tenue confortable.
Matériel fourni : tapis/coussins/plaids.
Réservations : 02 41 67 12 60 / contact@chateau-montsoreau.com

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Véronique 21.07.2019

julien carreyn

Le dimanche 21 juillet 2019, le Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain accueille My-Lan Hoang-Thuy et Julien Carreyn pour le lancement de trois publications issues de l’exposition « Véronique » présentée par le Frac Poitou-Charente du 8 février au 18 mai 2019. Dans ces publications, My-Lan Hoang-Thuy s’éloigne du format traditionnel du catalogue d’exposition, pour livrer son interprétation des corpus d’images constitués et réalisés par Aurélien Mole et Julien Carreyn lors du montage « semi-fictionnel » de leur exposition angoumoisine.

Librairie du musée – Entrée libre
Heure : 18h00 – 19h30

Véronique
Les FRAC de Nouvelle-Aquitaine ont invité Aurélien Mole, artiste et photographe spécialisé dans la documentation de l’art contemporain, à concevoir un cycle d’expositions à partir de leurs collections photographiques. Aurélien Mole s’est associé à l’artiste Julien Carreyn dont l’œuvre, sensible à la temporalité des esthétiques, creuse le potentiel poétique et symbolique de ce genre artistique académique qu’est le nu. L’exposition qu’ils ont conçue ensemble a révélé l’attention particulière portée par les trois FRAC de Nouvelle-Aquitaine à une photographie « de photographes », en particulier au cours de la première décennie de la constitution de leurs collections alors que ce médium n’avait pas encore été largement investi par les artistes plasticiens. La cinquantaine d’œuvres retenue a procédé d’une sélection délibérément subjective opérée par les artistes-commissaires selon une « coupe esthétique » à travers les collections orientée par la question suivante : « Quelles photographies aimerions-nous voir portées par un modèle nu dans la salle d’exposition ? ». L’exposition présentait également des œuvres photographiques créées par Aurélien Mole et par Julien Carreyn au cours du montage.

Julien Carreyn
Julien Carreyn est né à Angers en 1973. Il vit et travaille à Paris. Après avoir exercé la profession de directeur artistique, Julien Carreyn recentre son activité autour de la production d’images, dessins et photographies. Depuis il s’est appliqué avec beaucoup de persévérance, et un brin d’obsession, à produire un corpus de plus en plus dense, explorant des territoires aussi variés que l’est sa culture transversale de l’image et qui englobe aussi la bande dessinée érotique des années 70, la peinture impressionniste, l’illustration jeunesse… Plus récemment, dans « Photographies du soir » à la galerie Crèvecoeur (Paris), les photographies d’extérieur de Julien Carreyn explorent notre pays, ses difficultés à négocier son prestige essentiellement lié au passé, et son esthétique obéissant aux critères et goûts que l’on suppose être celui des classes moyennes. Il ne s’agit ni d’une approche critique ni d’un témoignage mais plutôt d’une fuite ; un désir d’éloignement dont le point de départ serait une zone péri-urbaine située au bord du rien. Entre 2016 et 2017, Julien Carreyn présente «Chez Bergeron » au Vent des forêts (Fresnes-au-Mont) ainsi qu’une collaboration « Julien Carreyn avec Ker-Xavier » à la Galerie des Multiples (Paris).

Aurélien Mole
Aurélien Mole est né en 1975 à Téhéran. Diplômé de l’école du Louvre en histoire de la photographie, il a poursuivi son cursus à l’école nationale supérieure de la photographie à Arles et l’a conclu par une formation sur les pratiques de l’exposition dirigée par Catherine Perret et Christian Bernard. Son travail a fait l’objet d’expositions personnelles à la Galerie Lucile Corty en 2009 (En bonne intelligence), galerie Florence Loewy en 2010 (Le Catalogue), à la villa du Parc en 2012 (Sir Thomas Trope). Il a participé à de nombreuses expositions collectives en France et en Europe (Cargo Culte à la Vitrine ; Répétition dans l’épilogue, galerie Lucile Corty ; If I can’t Dance I don’t want to be part of your revolution, Van Abbe Museum ; Double Bind, Villa Arson). Par ailleurs, il a publié régulièrement dans le magazine Art21, des critiques ayant trait à l’exposition ainsi que des monographies sur des artistes contemporains (Aurélien Froment, Guillaume Leblon, Gaël Pollin…). Il réalise aussi des expositions basées sur des dispositifs au sein du collectif le Bureau/(35h. aux Laboratoires d’Aubervilliers en 2004 ; P2P au Casino, Luxembourg, en 2008) et en son nom propre (Relationship of Command, Galerie J à Genève en 2007 ; Sfumato à Sassari en Sardaigne en 2008).

My-Lan Hoang-Thuy
My-Lan Hoang-Thuy est née en 1990 à Bourg-la-Reine. Elle vit et travaille à Paris et a suivi une Formation à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris de 2015 à 2017.
« Bicéphale. C’est peut-être un travail à deux têtes que l’artiste plasticienne My-Lan Hoang-Thuy met en scène. S’entremêlent dans ses créations deux cultures visuelles, l’une occidentale, l’autre extrême-orientale. La culture occidentale est, pour sa part, liée à ses études franco-suisses de design graphique où l’histoire de ses codes et son effet sur le conditionnement des esprits l’imprègnent. Il en découle des créations qui interrogent le pouvoir et l’impact du langage visuel sur la société. C’est le cas de sa série de sculptures de signatures en bois des grands noms de la Sillicon Valley (Sergey Brin ou Mark Zuckerberg). En dessinant dans l’espace ces noms de personnalités qui sont à l’origine des outils que l’on utilise tous les jours, l’artiste illustre une normalisation en acte. Définir l’outil c’est influer sur la forme. Aussi remonte-t-elle à la source d’une typologie d’outils symboliques (Mac, Photoshop, outil de recherche tel que Google) pour renverser un certain ordre visuel prévisible. L’autre pan de son travail, dont la source est plus enfouie mais notable, vient de cette culture asiatique, parfois kitsch, selon ses termes, qui émerge sous la forme de matériaux (nacre, bois) ou de certains motifs floraux, à l’instar de ses fleurs tatouées ou de ses sculptures qui reprennent la structure de temples vietnamiens. Ses autoportraits sur nacre, petits éclats de sa propre image, renouent avec deux histoires : la sienne, bien sûr, mais aussi celle de la photographie détournée ici de son support traditionnel. C’est également le cas des photographies qu’elle a prises de ses environnements personnels, imprimées sur PVC, et qui permettent à l’image de sortir du cadre. Émanciper les techniques, les renverser : ainsi se structure la démarche d’une artiste qui connaît trop bien la technique et les machines pour ne pas, un peu et gentiment, les malmener, afin de conjurer le prévisible et perturber l’attendu ». (Par Léa Chauvel-Lévy)

 

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Roman Signer 06.07 – 06.11.2019

Sandobjekt

A partir du 6 juillet 2019, le Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain donne carte blanche à l’artiste suisse Roman Signer, connu dans le monde entier pour ses performances explosives et ses prises de risque assumées. L’exposition met en perspective sculpture et photographie et souligne la capacité de l’artiste à repenser les principes mêmes de la sculpture contemporaine.

 

Un artiste sous tension
Il est un lieu commun de dire que la révolution est quelque chose de stupide risqué et dangereux. L’exposition occupe quatre mois durant tout le deuxième étage du Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain et réunit des œuvres phares de Roman Signer telles qu’une série de photographies inédites prises entre 1972 et 1986. Légendaire pour ses interventions sur les objets qu’il transforme avec des explosifs comme force motrice, Roman Signer utilise aussi l’instantané qui permet de figer ses préoccupations. Au fil des photographies exposées, la nature se révèle comme l’atelier ou plutôt le laboratoire de l’artiste. Le visiteur est invité à y pénétrer et à observer à distance. Il devient spectateur des «accidents» heureux ou catastrophiques savamment orchestrés par l’artiste (Ballon mit Spazierstock, 2016) à un moment où la réalité est perturbée, modifiée par un événement inattendu. L’exposition montre l’œuvre de cet artiste souvent perçu à tort comme en recherche de spectaculaire et de sensationnel. Les œuvres choisies montrent Signer comme un opérateur précis et direct, refusant de se mettre en scène et rejetant le concept de performance.

Sculpteur du temps
On y retrouve le souci constant de l’artiste de questionner le temps. Temps long, lorsqu’un hélicoptère vient perturber le concert improbable d’un pianiste sur le ponton d’un lac (Vers la Flamme und Roman Signer, 2014), temps court lorsqu’une série de bidons remplis d’eau dégringole à toute vitesse du toit d’une maison (Dachlawine, 2017). Le parcours scénographique souligne ainsi le rôle crucial des quatre éléments dans l’œuvre de l’artiste, point de départ et point d’arrivée de ses œuvres.
Roman Signer réserve des destins surprenants aux objets les plus anodins comme un ventilateur ou un ballon faisant ainsi surgir une poésie de la destruction.

06.07 – 06.11.2019
Tous les jours de 10h à 19h
Vernissage public le 6 juillet à 18h

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Mappa Mundi 10.05 – 05.07.2019

Du 10 mai au 5 juillet 2019, l’exposition Mappa Mundi présente les nouvelles acquisitions du Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain : 50 œuvres inédites de Art & Language, montrées pour la première fois en France.

Déployée sur le dernier étage du musée, l’exposition s’ouvre sur l’installation Mother, Father, Monday: Map of the World, 2000, œuvre monumentale composée de plus de 150 tableaux monochromes représentant une immense carte du monde. Chaque tableau est autonome mais représente aussi un détail d’une carte dont il fait partie. Comme dans La Chasse au Snark de Lewis Caroll, la carte s’étire et finit par occuper toute la surface de la pièce.

Le film Qui Pourra est une plongée dans l’atelier des artistes de Art & Language. Le titre fait  référence à une injonction de Gustave Courbet – « Trouve qui peut » – à propos de son œuvre L’Atelier du Peintre. Les artistes sont absents mais leurs voix, lointaines, se font entendre la voix off d’un film. Ils sont rejoints par une autre voix, non identifiée, qui fait une entrée hésitante sous la forme d’un texte qui envahit peu à peu l’image.

Réalisées en 2019,  Ten posters : illustrations for Art-Language  est une série de dix affiches réalisées en 1977. Art & Language posent la question de la fabrication de l’œuvre. En détournant les codes des affiches de propagande et en construisant cette série d’affiches comme une suite d’images, à la manière des 7 péchés capitaux, ces affiches nous parlent des fondements notre société et surtout de ce qui fait la réussite des codes de la tragédie à l’intérieur de celle-ci.

L’exposition se clôt sur une salle interdite aux moins de 18 ans dans laquelle est présentée une série de variations sur de textes pornographiques évoluant peu à peu vers le comique, à la manière de Ms Malaprope.

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EDIT-A-THON 13-19 mai 2019

Du 13 au 19 mai, à l’occasion de la Museum Week, le Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain, partenaire de l’événement, s’associe à Wikipedia pour organiser un Edit-A-Thon ou marathon d’édition d’une d’une semaine destiné aux femmes. L’Edit-a-thon vise à créer du contenu sur les œuvres de Art & Language et à lutter contre le déficit de contributions des femmes sur Wikipedia ( moins de 10% des éditeurs de Wikipedia sont des femmes). 

Edit-A-Thon : quézako ?
Un éditathon est une séance pendant laquelle un groupe de personnes découvre et contribue sur l’encyclopédie en ligne Wikipédia, sur un thème à partir de ressources mises à disposition. Ces personnes peuvent : créer un article, traduire un article depuis un Wikipédia étranger, enrichir un article existant (restructurer, ajouter du contenu), ajouter des sources à un article, légender des photos, trouver des photos libres de droit pour illustrer un article ou encore corriger des articles existants.
Au Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain, ce challenge collaboratif adopte un format inédit – une semaine non stop de contributions – et s’adresse en particulier aux femmes mises à l’honneur lors de la Museum Week avec le hashtag #WomenInCulture.

Museum Week
A chaque jour un hashatag, à chaque jour une ou plusieurs œuvres du collectif Art & Language feront l’objet de contributions lors de l’édit-a-thon.

Lundi : #WomenInCultureMW
–Victorine, 1981 (livret d’un opéra-policier dont un acte a été représenté lors de la biennale du Whitney Museum en 2012)

Mardi : #SecretsMW 
–11 Studies for a Secret Painting, 1967
–Secret Painting, 1967
–Index: The Studio at 3 Wesley Place in the Dark III, 1982
–Portrait of V.I. Lenin in the Style of Jackson Pollock, 1978

Mercredi : #PlayMW 
–The Air-Conditionning Show, 1966-67
–Index 01, 1972
–Microfilm Index, 1972
–Loop, 1967
–Index: Incident in a Museum, 1985-87
–Map of Itself , 1966-67
-Map to not Indicate , 1966-67
-Map of Ocean, 1966-67

Jeudi : #RainbowMW 
–Mother, Father, Monday: Map of the World, 2000
–Flags for Organizations, 1978

Vendredi : #ExploreMW 
–The Air-Conditionning Show, 1966-67
–Mirror Piece, 1965

Samedi : #PhotoMW 
–Painting I Nr1 à Nr22, 1966
–Mirror Piece, 1965
–Portrait of V.I. Lenin in the Style of Jackson Pollock, 1978
–Microfilm Index, 1972

Dimanche : #FriendsMW 
-Red Crayola et Art & Language
-Jackson Pollock Bar

Prérequis
Pas de connaissance particulière de Wikipédia. Les participants se créeront au préalable un compte sur Wikipédia (en cliquant ici). Une session de formation sera offerte mais une aide sera disponible tout au long de l’événement. Les participants sont priés d’apporter leurs propres ordinateurs portables et chargeurs. Un accès Wi-Fi ainsi que le catering sont fournis. Vous disposerez de livres issus du fonds documentaire du Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain. Voir la page projet de l’événement, sur Wikipédia.

FAQ

 

EDIT-A-THON 13-19.05.2019

From the 13 to the 19 of May, on the occasion of the Museum Week, the Chateau de Montsoreau-Museum of Contemporary art, partner of the event, joins forces to Wikipedia to organise an Edit-A-Thon or an edition marathon for a week which is addressed to women. The Edit-A-Thon aims to create ‘contents’ on the Art & Language master pieces, but also to raise awareness on the lack of women’s contents on Wikipedia (indeed less than 10% of the contributors are women).

Edit-A-Thon : what does it mean ?
An editathon is a sitting where a group of people discovers and contributes to the Wikipedia web encyclopaedia, on a theme (with the helped of our documentary resources). These people can : create an article, translate an article from a foreign Wikipedia, enrich an article (reorganize, add contents), add sources to an article, title photos, find photos rights free to illustrate an article or even correct some articles.
At Château de Montsoreau-Museum of contemporary art, this collaborative challenge adopts a unique format – a non-stop week of contributions – and is aimed at women in particular, those who are in the spotlight during the Museum Week with the hashtag #WomenInCulture.

Museum Week

A hashtag will be given every single day, as well as one or several works of art of the group Art & Language will be the subject of contributions during the edit-a-thon.

Monday : #WomenInCultureMW
–Victorine, 1981 (libretto of a police opera whose act was represented at the Whitney Museum biennale in 2012)

Tuesday: #SecretsMW 
–11 Studies for a Secret Painting, 1967
–Secret Painting, 1967
–Index: The Studio at 3 Wesley Place in the Dark III, 1982
–Portrait of V.I. Lenin in the Style of Jackson Pollock, 1978

Wednesday : #PlayMW 
–The Air-Conditionning Show, 1966-67
–Index 01, 1972
–Microfilm Index, 1972
–Loop, 1967
–Index: Incident in a Museum, 1985-87
–Map of Itself , 1966-67
-Map to not Indicate , 1966-67
-Map of Ocean, 1966-67

Thursday: #RainbowMW 
–Mother, Father, Monday: Map of the World, 2000
–Flags for Organizations, 1978

Friday : #ExploreMW 
–The Air-Conditionning Show, 1966-67
–Mirror Piece, 1965

Saturday : #PhotoMW 
–Painting I Nr1 à Nr22, 1966
–Mirror Piece, 1965
–Portrait of V.I. Lenin in the Style of Jackson Pollock, 1978
–Microfilm Index, 1972

Sunday : #FriendsMW 
-Red Crayola et Art & Language
-Jackson Pollock Bar

Prerequisite
No particular knowledge in Wikipedia is needed. The participants will be creating beforehand a Wikipedia account. A training course is offered but someone will be there to help throughout the event. The participants must bring their computers and chargers. An access to the Wifi as well as catering will be furnished. You will have the free access to the documentary resources of the Chateau de Montsoreau-Museum of contemporary art.
Go and check out the project on Wikipedia.

 

 

 

 

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Festival de performances 06.03.2019

grace ndiritu

FESTIVAL DE PERFORMANCES DES ETUDIANT(E)S DE L’ESAD TALM
Mercredi 6 mars 2019
14h-17h
Entrée libre

En clôture de trois jours de workshop et d’échanges avec l’artiste Grace Ndiritu, les étudiants de l’Ecole Supérieure d’Art et de Design Tours-Angers-Le Mans,  proposent une après-midi de performances au Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain le mercredi 6 mars.
Festival coordonné par Chloé Maillet et Natsuko Uchino

Grace Ndiritu
Grace Ndiritu travaille sur la performance, la peinture, la vidéo, la photographies, la recherche. En 2012, Grace Ndiritu a pris la décision radicale de ne passer du temps en ville que lorsque cela était nécessaire et de vivre dans des communautés rurales, alternatives et souvent spirituelles, tout en élargissant ses recherches sur les modes de vie nomades et les études ésotériques telles que le chamanisme, qu’elle étudie depuis plus de 16 ans. Ses recherches sur la vie communautaire ont abouti à la création de The Ark: Centre for Interdisciplinary Experimentation.
En 2012, Grace Ndiritu a également commencé à créer une nouvelle œuvre intitulée Healing The Museum, née de la nécessité de réintroduire des méthodes non rationnelles telles que le chamanisme pour réactiver la «sacralité» des espaces d’art. Grace Ndiritu estime que la plupart des institutions d’art modernes ne reflètent pas les expériences quotidiennes du public et que les nombreux changements socio-économiques et politiques survenus dans le monde au cours des dernières décennies ont érodé la relation entre les musées et leur public. Les musées meurent. Grace Ndiritu considère le chamanisme comme un moyen de réactiver l’espace artistique mourant en le transformant en espace de partage.
Grace Indiritu expose dans de nombreux musées : Museum Modern of Art de Varsovie; Centre Pompidou, Paris; Chisenhale Gallery, Londres; Ikon Gallery, Birmingham, Fondation Antoni Tàpies, Barcelone; Laboratoires d’Aubervilliers, Paris; École d’art de Glasgow; Klowden Mann Gallery, Los Angeles; La Ira De Dios, Buenos Aires et la 51e Biennale de Venise.
www.gracendiritu.com

 

Natsuko Uchino
Artiste interdisciplinaire japonaise, diplômée de la Cooper Union (NYC) et du CCA Kitakyushu (Japon), Natsuko Uchino est representée par les galeries Green Tea (Japon) et Last Resort (Danemark) développe une pratique transversale entre art et écologie. Amenée par son expérience de la polyculture agricole à décloisonner les disciplines artistiques, elle commence la céramique dans le but de créer les contenants pour sa production agricole avec la même terre qui avait nourri la récolte. Depuis, un apprentissage dans le village artisanal de Tamba au Japon confirme l’intérêt de l’artiste pour le médium céramique, qui dans son travail, sert de charnière entre agriculture, paysage, environnement et convivialité. Natsuko Uchino participe à la résidence du Centre International d’Art et du Paysage – Ile de Vassivière en 2014, puis travaille en 2015 sur les sujets de l’art dans le milieu naturel avec l’Ecole Cantonale d’Art du Valais, et la ruralité avec la revue Peeping Tom Digest. Natsuko Uchino est professeure de sculpture et céramique à l’ESAD Le Mans.

 

Chloé Maillet
Chloé Maillet est artiste et chercheuse. Elle a étudié l’histoire et d’histoire de l’art à Paris 1 Panthéon-Sorbonne. Elle est docteure en anthropologie historique de l’EHESS (Ecole des Hautes études en Sciences Sociales), elle a suivi le programme le Pavillon (Palais de Tokyo, 2008-2009), la Coopérative de Recherches de l’Ecole Supérieure d’Art de Clermont-Métropole (2014-2015), et suivi post-doctorat au Musée du quai Branly (2015-2016). Correspondante ALHOMA-CRH (EHESS), membre du comité de rédaction d’Images re-vues depuis 2005, elle est spécialiste des questions de genre et de parenté et a publié de nombreux articles dans des revues d’histoire, d’histoire de l’art et d’anthropologie. Sa thèse, La parenté hagiographique, XIII-XVe s. a été publiée aux éditions Brepols en 2014, elle prépare un livre intitulé Transgenre au Moyen Âge ? aux éditions Arkhê.
En duo avec l’artiste Louise Hervé elle a fondé l’I.I.I.I. (International Institute for Important Items) en 2001, au sein duquel elles réalisent des performances, des films de genre et des installations. Le Credac (Ivry-sur-Seine), Kunsthal Aarhus (DK), Passerelle (Brest), Contemporary Art Gallery (Vancouver, CAN), la Synagogue de Delme, le FRAC Champagne Ardenne et le Kunstverein Braunschweig (DE) ont organisé des présentations solo de leur travail. Elles ont publié Attraction étrange, éditions JRP (2013), Spectacles sans objet/Spectacles without objects, Editions P et Pork Salad Press, 2016, L’Iguane, ed. Thalie Foundation, 2018.
Elle est professeure d’histoire et théorie des arts à l’ESAD Angers.

Et aussi
Conférence de Grace Ndiritu  en conversation avec Chloé Maillet et Natsuko Uchino
Lundi 4 mars 2019 à 18h.
ESAD Angers Salle TO.
Entrée libre.
Conférence en anglais.

 

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Rencontre avec Nicolas Lelièvre et Étienne Candel 02.03.2019

La poésie est-elle morte ? Quel est le point commun entre  « vide couple »,  « flemme olympique », « bêle bête » et La Recherche du temps perdu ?  L’avènement du numérique a-t-il fait naître un nouveau langage ?
Chacun à sa manière, Étienne Candel et Nicolas Lelièvre détournent, bousculent, façonnent les mots. Des univers nouveaux, déroutants et instables, apparaissent.
On croyait avoir tout dit sur le chef d’œuvre de Proust. C’était jusqu’à ce que Nicolas Lelièvre s’en empare et nous en propose un tout nouvel arrangement. On croyait que le nombre caractères fixés par Twitter limitait nos échanges à des donnés factuelles. C’était jusqu’à ce que les « ironèmes » d’Étienne Candel inondent la toile.

Professeur de lettres modernes, diplômé en littérature comparée et en français langue étrangère,  eMMaNuel vasliN (@emmanuel_vaslin) est un observateur assidu des nouvelles approches du langage.
Il animera la rencontre entre Nicolas Lelièvre et Étienne Candel.

Rencontre – dédicace – verre / librairie du musée
Heure: 16h30 – 18h30
Entrée libre

 

Ironèmes d’Étienne Candel. C’est une boîte qui conserve, sur 47 mètres de rouleau, quelque 900 textes prélevés dans le flux continu d’écriture qui caractérise leur auteur sur les réseaux numériques. Étienne Candel produit en effet, au quotidien, ces altérations minimales du langage. Représentant plusieurs dizaines de milliers de textes sur environ six ans, les ironèmes prolifèrent comme dans un carnet permanent d’écritures sauvages. Lapsus, traits d’esprit, détournements surprenants, faux proverbes, manipulations amusées, expressions erronées, ils détournent la langue de son usage ordinaire et laissent deviner un autre monde possible, d’autres significations, d’autres façons de voir, comme dans les rêves.
Dérobés au flux et désormais conservés dans leur livre-boîte, les ironèmes ainsi publiés font se rejoindre la forme du rouleau médiéval et les défilements contemporains des écrans. Le travail éditorial est signé Peuple caché, collectif discret, activiste du renouvellement des formats.
Étienne Candel travaille dans les marges : d’abord poète sur les espaces libres de ses cahiers de bachot, il explore le champ des ironèmes et en théorise progressivement les contours. Il publiera bientôt une réhabilitation pratique des ordures et encombrants (Discours sur le déchet, à paraître chez Surfaces Utiles, 2019). Dans sa démarche artistique où il fait dialoguer recherche et création, il collabore avec des graphistes, peintres, codeurs. Il prépare actuellement un catalogue et un bestiaire impossible. https://ironemes.peuplecache.com
Twitter: @etienne_cdl

 

Dans l’ordre de Nicolas Lelièvre présente l’intégralité du premier volume d‘À la Recherche du Temps Perdu de Marcel Proust réarrangée dans l’ordre alphabétique. Du récit, des personnages et des situations ne subsiste que la matière première. Feuilleter cette longue liste propose pourtant une véritable expérience visuelle au gré des répétitions et des variations typographiques. Parfaitement arbitraire, le classement produit également de nouvelles associations d’idées et de sensations.
La Recherche « en kit », à regarder plutôt qu’à lire, entre littérature et statistique. Un voyage plastique dans le champ lexical proustien.
Architecte diplômé en 2001, Nicolas Lelièvre s’est d’abord consacré aux images. Si les espaces urbains et la matière des images numériques demeurent parmi ses terrains de jeu favoris, c’est un questionnement plus global du réel qui fait évoluer sa pratique au fil des projets. Chaque proposition examine un fragment précis puisé dans la réalité immédiate et tente d’en construire une pensée à expérimenter. Ces détours visuels, spatiaux ou encore sémantiques font indifféremment appel à la photographie, la vidéo, l’informatique, l’écriture, la construction d’objets ou encore l’intervention in-situ.
www.nicolaslelievre.com

 

 

 

 

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1968. Sparte rêve d’Athènes / 06.07-31/10/2018

Exposition 1968. Sparte rêve d'Athènes

“ Ce dont on ne peut parler, il faut le taire ”, écrivait Wittgenstein.

Comment s’est exprimée la mutation en art en 1968 et à travers quels moyens d’expression? Cacophonie ou silence? La mutation a-t-elle précipité la fin de la peinture au profit d’autres formes d’expression?

A travers des figures majeures de l’Art Minimal, du Pop Art et de l’Art Conceptuel, 1968. SPARTE RÊVE D’ATHÈNES tente de proposer une réponse à ce questionnement. Elle se déploie trois mois durant le dernier étage du musée et réunit des œuvres d’artistes phares de la fin des années 60 à nos jours : Claes Oldenburg, Maria Marshall, Bernar Venet et bien d’autres. Plongées le paysage inattendu du Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain, des œuvres d’art ayant profondément modifié l’histoire de l’art dessinent un parcours entre mémoire, rêverie et utopie.
1968. SPARTE RÊVE D’ATHÈNES tente de faire le point sur la crise de la peinture à la fin des années 60. La résistance/ rébellion contre le modèle établi a-t-elle donné naissance à un nouveau langage contemporain ?

 

Tony Smith, The Maze, 1957

 

“ Ce dont on ne peut parler, il faut le taire ”, écrivait Wittgenstein.

Comment s’est exprimée la mutation en art  en 1968 et à travers quels moyens d’expression? Cacophonie ou silence? La mutation a-t-elle précipité la fin de la peinture au profit d’autres formes d’expression?
A travers des figures majeures de l’Art Minimal, du Pop Art et de l’Art Conceptuel, 1968. SPARTE RÊVE D’ATHÈNES tente de proposer une réponse à ce questionnement. Elle se déploie trois mois durant le dernier étage du musée et réunit des œuvres d’artistes phares de la fin des années 60 à nos jours : Claes Oldenburg, Maria Marshall, Bernar Venet et bien d’autres. Plongées le paysage inattendu du Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain, des œuvres d’art ayant profondément modifié l’histoire de l’art dessinent un parcours entre mémoire, rêverie et utopie.
1968. SPARTE RÊVE D’ATHÈNES tente de faire le point sur la crise de la peinture à la fin des années 60. La résistance/ rébellion contre le modèle établi a-t-elle donné naissance à un nouveau langage contemporain?

Art & Language / Victor Burgin / Dan Graham / Les Levine / Maria Marshall / Edward Rusha / Tony Smith / Bernar Venet

 

Maria Marshall when I grew up I want to be a cooker, 1998

1968. SPARTE RÊVE D’ATHÈNES
06/07-31/10/2018
Tous les jours de 10h à 19h