Du 10 mai au 5 juillet 2019, l’exposition Mappa Mundi présente les nouvelles acquisitions du Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain : 50 œuvres inédites de Art & Language, montrées pour la première fois en France.

Déployée sur le dernier étage du musée, l’exposition s’ouvre sur l’installation Mother, Father, Monday: Map of the World, 2000, œuvre monumentale composée de plus de 150 tableaux monochromes représentant une immense carte du monde. Chaque tableau est autonome mais représente aussi un détail d’une carte dont il fait partie. Comme dans La Chasse au Snark de Lewis Caroll, la carte s’étire et finit par occuper toute la surface de la pièce.

Le film Qui Pourra est une plongée dans l’atelier des artistes de Art & Language. Le titre fait  référence à une injonction de Gustave Courbet – « Trouve qui peut » – à propos de son œuvre L’Atelier du Peintre. Les artistes sont absents mais leurs voix, lointaines, se font entendre la voix off d’un film. Ils sont rejoints par une autre voix, non identifiée, qui fait une entrée hésitante sous la forme d’un texte qui envahit peu à peu l’image.

Réalisées en 2019,  Ten posters : illustrations for Art-Language  est une série de dix affiches réalisées en 1977. Art & Language posent la question de la fabrication de l’œuvre. En détournant les codes des affiches de propagande et en construisant cette série d’affiches comme une suite d’images, à la manière des 7 péchés capitaux, ces affiches nous parlent des fondements notre société et surtout de ce qui fait la réussite des codes de la tragédie à l’intérieur de celle-ci.

L’exposition se clôt sur une salle interdite aux moins de 18 ans dans laquelle est présentée une série de variations sur de textes pornographiques évoluant peu à peu vers le comique, à la manière de Ms Malaprope.

Du 13 au 19 mai, à l’occasion de la Museum Week, le Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain, partenaire de l’événement, s’associe à Wikipedia pour organiser un Edit-A-Thon ou marathon d’édition d’une d’une semaine destiné aux femmes. L’Edit-a-thon vise à créer du contenu sur les œuvres de Art & Language et à lutter contre le déficit de contributions des femmes sur Wikipedia ( moins de 10% des éditeurs de Wikipedia sont des femmes). 

Edit-A-Thon : quézako ?
Un éditathon est une séance pendant laquelle un groupe de personnes découvre et contribue sur l’encyclopédie en ligne Wikipédia, sur un thème à partir de ressources mises à disposition. Ces personnes peuvent : créer un article, traduire un article depuis un Wikipédia étranger, enrichir un article existant (restructurer, ajouter du contenu), ajouter des sources à un article, légender des photos, trouver des photos libres de droit pour illustrer un article ou encore corriger des articles existants.
Au Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain, ce challenge collaboratif adopte un format inédit – une semaine non stop de contributions – et s’adresse en particulier aux femmes mises à l’honneur lors de la Museum Week avec le hashtag #WomenInCulture.

Museum Week
A chaque jour un hashatag, à chaque jour une ou plusieurs œuvres du collectif Art & Language feront l’objet de contributions lors de l’édit-a-thon.

Lundi : #WomenInCultureMW
–Victorine, 1981 (livret d’un opéra-policier dont un acte a été représenté lors de la biennale du Whitney Museum en 2012)

Mardi : #SecretsMW 
–11 Studies for a Secret Painting, 1967
–Secret Painting, 1967
–Index: The Studio at 3 Wesley Place in the Dark III, 1982
–Portrait of V.I. Lenin in the Style of Jackson Pollock, 1978

Mercredi : #PlayMW 
–The Air-Conditionning Show, 1966-67
–Index 01, 1972
–Microfilm Index, 1972
–Loop, 1967
–Index: Incident in a Museum, 1985-87
–Map of Itself , 1966-67
-Map to not Indicate , 1966-67
-Map of Ocean, 1966-67

Jeudi : #RainbowMW 
–Mother, Father, Monday: Map of the World, 2000
–Flags for Organizations, 1978

Vendredi : #ExploreMW 
–The Air-Conditionning Show, 1966-67
–Mirror Piece, 1965

Samedi : #PhotoMW 
–Painting I Nr1 à Nr22, 1966
–Mirror Piece, 1965
–Portrait of V.I. Lenin in the Style of Jackson Pollock, 1978
–Microfilm Index, 1972

Dimanche : #FriendsMW 
-Red Crayola et Art & Language
-Jackson Pollock Bar

Prérequis
Pas de connaissance particulière de Wikipédia. Les participants se créeront au préalable un compte sur Wikipédia (en cliquant ici). Une session de formation sera offerte mais une aide sera disponible tout au long de l’événement. Les participants sont priés d’apporter leurs propres ordinateurs portables et chargeurs. Un accès Wi-Fi ainsi que le catering sont fournis. Vous disposerez de livres issus du fonds documentaire du Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain. Voir la page projet de l’événement, sur Wikipédia.

FAQ

• Principes fondateurs
• Wikipédia en bref : l’indispensable à savoir
• Interface : le mode d’emploi
• Débuter sur Wikipédia
• Forum d’aide aux nouveaux

EDIT-A-THON 13-19.05.2019

From the 13 to the 19 of May, on the occasion of the Museum Week, the Chateau de Montsoreau-Museum of Contemporary art, partner of the event, joins forces to Wikipedia to organise an Edit-A-Thon or an edition marathon for a week which is addressed to women. The Edit-A-Thon aims to create ‘contents’ on the Art & Language master pieces, but also to raise awareness on the lack of women’s contents on Wikipedia (indeed less than 10% of the contributors are women).

Edit-A-Thon : what does it mean ?
An editathon is a sitting where a group of people discovers and contributes to the Wikipedia web encyclopaedia, on a theme (with the helped of our documentary resources). These people can : create an article, translate an article from a foreign Wikipedia, enrich an article (reorganize, add contents), add sources to an article, title photos, find photos rights free to illustrate an article or even correct some articles.
At Château de Montsoreau-Museum of contemporary art, this collaborative challenge adopts a unique format – a non-stop week of contributions – and is aimed at women in particular, those who are in the spotlight during the Museum Week with the hashtag #WomenInCulture.

Museum Week

A hashtag will be given every single day, as well as one or several works of art of the group Art & Language will be the subject of contributions during the edit-a-thon.

Monday : #WomenInCultureMW
–Victorine, 1981 (libretto of a police opera whose act was represented at the Whitney Museum biennale in 2012)

Tuesday: #SecretsMW 
–11 Studies for a Secret Painting, 1967
–Secret Painting, 1967
–Index: The Studio at 3 Wesley Place in the Dark III, 1982
–Portrait of V.I. Lenin in the Style of Jackson Pollock, 1978

Wednesday : #PlayMW 
–The Air-Conditionning Show, 1966-67
–Index 01, 1972
–Microfilm Index, 1972
–Loop, 1967
–Index: Incident in a Museum, 1985-87
–Map of Itself , 1966-67
-Map to not Indicate , 1966-67
-Map of Ocean, 1966-67

Thursday: #RainbowMW 
–Mother, Father, Monday: Map of the World, 2000
–Flags for Organizations, 1978

Friday : #ExploreMW 
–The Air-Conditionning Show, 1966-67
–Mirror Piece, 1965

Saturday : #PhotoMW 
–Painting I Nr1 à Nr22, 1966
–Mirror Piece, 1965
–Portrait of V.I. Lenin in the Style of Jackson Pollock, 1978
–Microfilm Index, 1972

Sunday : #FriendsMW 
-Red Crayola et Art & Language
-Jackson Pollock Bar

Prerequisite
No particular knowledge in Wikipedia is needed. The participants will be creating beforehand a Wikipedia account. A training course is offered but someone will be there to help throughout the event. The participants must bring their computers and chargers. An access to the Wifi as well as catering will be furnished. You will have the free access to the documentary resources of the Chateau de Montsoreau-Museum of contemporary art.
Go and check out the project on Wikipedia.

FESTIVAL DE PERFORMANCES DES ETUDIANT(E)S DE L’ESAD TALM
Mercredi 6 mars 2019
14h-17h
Entrée libre

En clôture de trois jours de workshop et d’échanges avec l’artiste Grace Ndiritu, les étudiants de l’Ecole Supérieure d’Art et de Design Tours-Angers-Le Mans,  proposent une après-midi de performances au Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain le mercredi 6 mars.
Festival coordonné par Chloé Maillet et Natsuko Uchino

Grace Ndiritu
Grace Ndiritu travaille sur la performance, la peinture, la vidéo, la photographies, la recherche. En 2012, Grace Ndiritu a pris la décision radicale de ne passer du temps en ville que lorsque cela était nécessaire et de vivre dans des communautés rurales, alternatives et souvent spirituelles, tout en élargissant ses recherches sur les modes de vie nomades et les études ésotériques telles que le chamanisme, qu’elle étudie depuis plus de 16 ans. Ses recherches sur la vie communautaire ont abouti à la création de The Ark: Centre for Interdisciplinary Experimentation.
En 2012, Grace Ndiritu a également commencé à créer une nouvelle œuvre intitulée Healing The Museum, née de la nécessité de réintroduire des méthodes non rationnelles telles que le chamanisme pour réactiver la «sacralité» des espaces d’art. Grace Ndiritu estime que la plupart des institutions d’art modernes ne reflètent pas les expériences quotidiennes du public et que les nombreux changements socio-économiques et politiques survenus dans le monde au cours des dernières décennies ont érodé la relation entre les musées et leur public. Les musées meurent. Grace Ndiritu considère le chamanisme comme un moyen de réactiver l’espace artistique mourant en le transformant en espace de partage.
Grace Indiritu expose dans de nombreux musées : Museum Modern of Art de Varsovie; Centre Pompidou, Paris; Chisenhale Gallery, Londres; Ikon Gallery, Birmingham, Fondation Antoni Tàpies, Barcelone; Laboratoires d’Aubervilliers, Paris; École d’art de Glasgow; Klowden Mann Gallery, Los Angeles; La Ira De Dios, Buenos Aires et la 51e Biennale de Venise.
www.gracendiritu.com

Natsuko Uchino
Artiste interdisciplinaire japonaise, diplômée de la Cooper Union (NYC) et du CCA Kitakyushu (Japon), Natsuko Uchino est representée par les galeries Green Tea (Japon) et Last Resort (Danemark) développe une pratique transversale entre art et écologie. Amenée par son expérience de la polyculture agricole à décloisonner les disciplines artistiques, elle commence la céramique dans le but de créer les contenants pour sa production agricole avec la même terre qui avait nourri la récolte. Depuis, un apprentissage dans le village artisanal de Tamba au Japon confirme l’intérêt de l’artiste pour le médium céramique, qui dans son travail, sert de charnière entre agriculture, paysage, environnement et convivialité. Natsuko Uchino participe à la résidence du Centre International d’Art et du Paysage – Ile de Vassivière en 2014, puis travaille en 2015 sur les sujets de l’art dans le milieu naturel avec l’Ecole Cantonale d’Art du Valais, et la ruralité avec la revue Peeping Tom Digest. Natsuko Uchino est professeure de sculpture et céramique à l’ESAD Le Mans.

Chloé Maillet
Chloé Maillet est artiste et chercheuse. Elle a étudié l’histoire et d’histoire de l’art à Paris 1 Panthéon-Sorbonne. Elle est docteure en anthropologie historique de l’EHESS (Ecole des Hautes études en Sciences Sociales), elle a suivi le programme le Pavillon (Palais de Tokyo, 2008-2009), la Coopérative de Recherches de l’Ecole Supérieure d’Art de Clermont-Métropole (2014-2015), et suivi post-doctorat au Musée du quai Branly (2015-2016). Correspondante ALHOMA-CRH (EHESS), membre du comité de rédaction d’Images re-vues depuis 2005, elle est spécialiste des questions de genre et de parenté et a publié de nombreux articles dans des revues d’histoire, d’histoire de l’art et d’anthropologie. Sa thèse, La parenté hagiographique, XIII-XVe s. a été publiée aux éditions Brepols en 2014, elle prépare un livre intitulé Transgenre au Moyen Âge ? aux éditions Arkhê.
En duo avec l’artiste Louise Hervé elle a fondé l’I.I.I.I. (International Institute for Important Items) en 2001, au sein duquel elles réalisent des performances, des films de genre et des installations. Le Credac (Ivry-sur-Seine), Kunsthal Aarhus (DK), Passerelle (Brest), Contemporary Art Gallery (Vancouver, CAN), la Synagogue de Delme, le FRAC Champagne Ardenne et le Kunstverein Braunschweig (DE) ont organisé des présentations solo de leur travail. Elles ont publié Attraction étrange, éditions JRP (2013), Spectacles sans objet/Spectacles without objects, Editions P et Pork Salad Press, 2016, L’Iguane, ed. Thalie Foundation, 2018.
Elle est professeure d’histoire et théorie des arts à l’ESAD Angers.

Et aussi
Conférence de Grace Ndiritu  en conversation avec Chloé Maillet et Natsuko Uchino
Lundi 4 mars 2019 à 18h.
ESAD Angers Salle TO.
Entrée libre.
Conférence en anglais.

La poésie est-elle morte ? Quel est le point commun entre  « vide couple »,  « flemme olympique », « bêle bête » et La Recherche du temps perdu ?  L’avènement du numérique a-t-il fait naître un nouveau langage ?
Chacun à sa manière, Étienne Candel et Nicolas Lelièvre détournent, bousculent, façonnent les mots. Des univers nouveaux, déroutants et instables, apparaissent.
On croyait avoir tout dit sur le chef d’œuvre de Proust. C’était jusqu’à ce que Nicolas Lelièvre s’en empare et nous en propose un tout nouvel arrangement. On croyait que le nombre caractères fixés par Twitter limitait nos échanges à des donnés factuelles. C’était jusqu’à ce que les « ironèmes » d’Étienne Candel inondent la toile.

Professeur de lettres modernes, diplômé en littérature comparée et en français langue étrangère,  eMMaNuel vasliN (@emmanuel_vaslin) est un observateur assidu des nouvelles approches du langage.
Il animera la rencontre entre Nicolas Lelièvre et Étienne Candel.

Rencontre – dédicace – verre / librairie du musée
Heure: 16h30 – 18h30
Entrée libre

Ironèmes d’Étienne Candel. C’est une boîte qui conserve, sur 47 mètres de rouleau, quelque 900 textes prélevés dans le flux continu d’écriture qui caractérise leur auteur sur les réseaux numériques. Étienne Candel produit en effet, au quotidien, ces altérations minimales du langage. Représentant plusieurs dizaines de milliers de textes sur environ six ans, les ironèmes prolifèrent comme dans un carnet permanent d’écritures sauvages. Lapsus, traits d’esprit, détournements surprenants, faux proverbes, manipulations amusées, expressions erronées, ils détournent la langue de son usage ordinaire et laissent deviner un autre monde possible, d’autres significations, d’autres façons de voir, comme dans les rêves.
Dérobés au flux et désormais conservés dans leur livre-boîte, les ironèmes ainsi publiés font se rejoindre la forme du rouleau médiéval et les défilements contemporains des écrans. Le travail éditorial est signé Peuple caché, collectif discret, activiste du renouvellement des formats.
Étienne Candel travaille dans les marges : d’abord poète sur les espaces libres de ses cahiers de bachot, il explore le champ des ironèmes et en théorise progressivement les contours. Il publiera bientôt une réhabilitation pratique des ordures et encombrants (Discours sur le déchet, à paraître chez Surfaces Utiles, 2019). Dans sa démarche artistique où il fait dialoguer recherche et création, il collabore avec des graphistes, peintres, codeurs. Il prépare actuellement un catalogue et un bestiaire impossible. https://ironemes.peuplecache.com
Twitter: @etienne_cdl

Dans l’ordre de Nicolas Lelièvre présente l’intégralité du premier volume d‘À la Recherche du Temps Perdu de Marcel Proust réarrangée dans l’ordre alphabétique. Du récit, des personnages et des situations ne subsiste que la matière première. Feuilleter cette longue liste propose pourtant une véritable expérience visuelle au gré des répétitions et des variations typographiques. Parfaitement arbitraire, le classement produit également de nouvelles associations d’idées et de sensations.
La Recherche « en kit », à regarder plutôt qu’à lire, entre littérature et statistique. Un voyage plastique dans le champ lexical proustien.
Architecte diplômé en 2001, Nicolas Lelièvre s’est d’abord consacré aux images. Si les espaces urbains et la matière des images numériques demeurent parmi ses terrains de jeu favoris, c’est un questionnement plus global du réel qui fait évoluer sa pratique au fil des projets. Chaque proposition examine un fragment précis puisé dans la réalité immédiate et tente d’en construire une pensée à expérimenter. Ces détours visuels, spatiaux ou encore sémantiques font indifféremment appel à la photographie, la vidéo, l’informatique, l’écriture, la construction d’objets ou encore l’intervention in-situ.
www.nicolaslelievre.com

“ Ce dont on ne peut parler, il faut le taire ”, écrivait Wittgenstein.

Comment s’est exprimée la mutation en art en 1968 et à travers quels moyens d’expression? Cacophonie ou silence? La mutation a-t-elle précipité la fin de la peinture au profit d’autres formes d’expression?

A travers des figures majeures de l’Art Minimal, du Pop Art et de l’Art Conceptuel, 1968. SPARTE RÊVE D’ATHÈNES tente de proposer une réponse à ce questionnement. Elle se déploie trois mois durant le dernier étage du musée et réunit des œuvres d’artistes phares de la fin des années 60 à nos jours : Claes Oldenburg, Maria Marshall, Bernar Venet et bien d’autres. Plongées le paysage inattendu du Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain, des œuvres d’art ayant profondément modifié l’histoire de l’art dessinent un parcours entre mémoire, rêverie et utopie.
1968. SPARTE RÊVE D’ATHÈNES tente de faire le point sur la crise de la peinture à la fin des années 60. La résistance/ rébellion contre le modèle établi a-t-elle donné naissance à un nouveau langage contemporain ?

Tony Smith, The Maze, 1957

“ Ce dont on ne peut parler, il faut le taire ”, écrivait Wittgenstein.

Comment s’est exprimée la mutation en art  en 1968 et à travers quels moyens d’expression? Cacophonie ou silence? La mutation a-t-elle précipité la fin de la peinture au profit d’autres formes d’expression?
A travers des figures majeures de l’Art Minimal, du Pop Art et de l’Art Conceptuel, 1968. SPARTE RÊVE D’ATHÈNES tente de proposer une réponse à ce questionnement. Elle se déploie trois mois durant le dernier étage du musée et réunit des œuvres d’artistes phares de la fin des années 60 à nos jours : Claes Oldenburg, Maria Marshall, Bernar Venet et bien d’autres. Plongées le paysage inattendu du Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain, des œuvres d’art ayant profondément modifié l’histoire de l’art dessinent un parcours entre mémoire, rêverie et utopie.
1968. SPARTE RÊVE D’ATHÈNES tente de faire le point sur la crise de la peinture à la fin des années 60. La résistance/ rébellion contre le modèle établi a-t-elle donné naissance à un nouveau langage contemporain?

Art & Language / Victor Burgin / Dan Graham / Les Levine / Maria Marshall / Edward Rusha / Tony Smith / Bernar Venet

Maria Marshall when I grew up I want to be a cooker, 1998

1968. SPARTE RÊVE D’ATHÈNES
06/07-31/10/2018
Tous les jours de 10h à 19h

Violoniste de formation (1er prix au Conservatoire Royal de Bruxelles), Olivier Slabiak aka OS69 a fondé en 1992, avec son frère, le groupe de musique tziganes et yiddish « Les Yeux Noirs » avec lequel il parcourt le monde entier et enregistre 8 albums. Il est nominé en 1994 aux Victoires de la Musique. Lors de cette aventure au cœur de ses propres racines juives d’Europe de l’Est, Olivier développe son goût pour les sonorités électroniques et mêle le répertoire traditionnel à l’univers de la pop et de l’électro-acoustique.

Le 19 mai il sera l’invité du Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain pour un DJ set exclusif de 22h à minuit. Au violon et aux platines, Olivier vous entraîne sur le dancefloor pour une nuit des musées tout sauf sage.

Pratique
Tarif: 7,30€
Prévente sur place ou par tel. 02 41 67 12 60

19h30
Cour du château
Durée: 1h20

La Peau de Chagrin c’est une belle histoire, celle d’un suicide différé: l’histoire d’une vie.
C’est le premier grand roman qu’Honoré signe de son nom: Balzac. Il y met tout ce qu’il est alors, son histoire personnelle, ses nombreux échecs et ses dernières forces. Car il n’est pas encore l’auteur de la Comédie Humaine: pour l’instant, pour lui, pas grand-chose n’a marché.

Le mythe de Faust ne lui sert pas à trouver le sens de la vie, mais à en prendre la mesure. Quelle quantité de vie a-t-on? Et si nous en avions conscience, qu’en ferions-nous? De cette Peau qui rétrécit Balzac tire le plus romantique roman. Sur scène, quatre acteurs vous préparent une danse macabre, un feu de joie, un inquiétant banquet où cette Peau de Chagrin réduirait sans rien perdre de son goût.

Le Nouveau Théâtre Populaire

Le Nouveau Théâtre Populaire est un collectif, qui crée en 2009, un festival de théâtre en plein air à Fontaine-Guérin (49). Le festival grossit, jusqu’à présenter en alternance six spectacles par édition. Il a lieu chaque été, au mois d’août.
La troupe a aussi grossi au fil des ans. Aujourd’hui, elle rassemble vingt membres : Pauline Bolcatto, Valentin Boraud, Julien Campani, Philippe Canalès, Baptiste Chabauty, Léo Cohen- Paperman, Thomas Chrétien, Emilien Diard-Detœuf, Clovis Fouin, Frédéric Jessua, Joseph Fourez, Sophie Guibard, Elsa Grzeszczak, Lazare Herson- Macarel, Lola Lucas, Morgane Nairaud, Antoine Philippot, Julien Romelard, Claire Sermonne et Sacha Todorov.
Le fonctionnement de la troupe est démocratique, toutes les décisions sont prises collectivement, mais chaque spectacle a un metteur en scène qui conserve sa singularité artistique. Sans vouloir affirmer de dogme, le Nouveau Théâtre Populaire se reconnaît dans les valeurs de Jean Vilar : grands textes, prix bas, décentralisation.
Ont été déjà montés au festival : Andersen, Brecht, Büchner, Claudel, Corneille, Feydeau, Fosse, Hugo, Maeterlinck, Molière, Novarina, Perrault, Shakespeare, Rabelais, Singer, Sophocle, Tchekhov, Winsor Mc Cay ainsi que deux créations collectives sur la Ve République et la 1ère Guerre Mondiale. En 2018, pour la Xe édition, le festival sera consacré à La Comédie humaine d’après Balzac.

Subventionné par l’Entente-Vallée (Beaufort-en-Anjou, Les Bois d’Anjou, Mazé-Milon, La Ménitré), le Ministère de la Culture-drac Pays-de-la- Loire et la Région Pays-de-la-Loire. Avec le soutien du Théâtre National Populaire, du Quai-CDN d’Angers, et des communes Beaufort-en-Anjou, Loire-Authion, Baugé-en-Anjou.

Réservations à partir du 23 juillet
par téléphone, de 15h à 18h : 02 53 20 32 99, du lundi au samedi et les dimanche 19 et 26 août et sur
www.festivalntp.com

Tarif au choix: 5€, 10€ ou 15€.
Dans un idéal de démocratisation culturelle, nous proposons une tarification où chacun peut choisir le prix de sa place sans avoir à justifier de sa situation

A la nuit tombée, le ciel  s’illumine de lanternes célestes au-dessus de la Loire.

Utilisées depuis plusieurs siècles en Asie du Sud-Est, les lanternes célestes sont conçues à partir de papier de riz fixé sur un cercle de bambou. D’après la tradition populaire chinoise, la lanterne Kongming, fut inventée par l’un des plus brillants tacticiens de l’époque des Trois Royaumes Zhuge Liang (181-234 ap. J.C.) plus connu sous le prénom social de Kongming. Par la suite, elles furent utilisées pour la signalisation militaire. Dans l’ensemble des territoires formant la Chine historique furent par la suite employées à des applications non-militaires à l’occasion de fêtes populaires comme le festival de  Pingsi à Taïwan.

Les lanternes sont en vente au prix de 3€ dans la librairie du musée.
Horaire:  22h30.
Lieu: Quai Alexandre Dumas, au pied du château.
L’événement aura lieu sous réserve des conditions météorologiques.

DJ SET ANIME PAR  FLOWER POWER CREW : 21h30-23h30
DJ set dans les jardins du château (gratuit)
Tech-House, Techno, House, Deep-House : underground music.

BUVETTE 

Alexia Guggémos est critique d’art. Formée à l’École du Louvre, elle est fondatrice et conservatrice du premier musée sur Internet, le Musée du sourire, créé en 1996. Auteure d’entretiens d’artistes, de nombreux textes sur l’art à vocation pédagogique et d’un guide Les médias sociaux à l’usage des artistes aux éditions Thémistocle, elle anime une chronique sur 20 Minutes depuis 2007 et le Huffington Post depuis 2012. Elle organise des événements autour de l’art comme l’opération « Art Students Week » sur Instagram pour favoriser l’émergence de jeunes talents.

L’Histoire de l’Art pour les nullissimes

Nullissimes arrive en culture générale, avec cette chronologie de l’histoire de l’art richement illustrée et incroyablement pédagogique.
Peinture, sculpture, architecture, arts primitifs… Faites le tour du monde des arts à travers les siècles.
Voici une chronologie pédagogique comme il n’en existe pas pour adultes : chaque double page se dessine avec une ou plusieurs œuvres d’art sur une page et en regard l’explication pédagogique sur le courant artistique, avec des focus plus précis sur des analyses d’œuvres toutes les 5 ou 6 pages, pour aller plus loin.
Ecrit par Alexia Guggémos, critique d’art reconnue par ses contemporains et auteure de nombreuses conférences pour rendre plus abordable l’art contemporain, cet ouvrage vous séduira par sa richesse iconographique et la clarté de ses explications pédagogiques.
Rencontre et dédicace: 12 mai à 17 heures.

Comment devient-on auteure de « L’Histoire de l’art pour les nullissimes » ?
AG. « Une solide formation à l’Ecole du Louvre, d’innombrables textes en qualité de critique et une passion pour l’art contemporain qui se nourrit de rencontres. Surtout, une intuition dès les premières heures d’Internet et des réseaux sociaux : de nouvelles écritures sont à explorer. Créatrice et conservatrice du premier musée virtuel – dédié au Sourire – dès 1996, déléguée générale du Festival International du Film sur Internet en 2000, auteure du guide  « Les médias sociaux à l’usage des artistes » en 2008, créatrice  de l’Observatoire du Web social dans l’art contemporain dès 2011, formatrice au CIPAC… Plus de 20 ans à défendre des idées nouvelles, à ouvrir des brèches, à rechercher toujours les nouveaux talents, à divulguer les bonnes pratiques pour une meilleure maîtrise de son identité numérique. Jusqu’au magistral « Nullissime » en 2018. Mon dernier cheval de bataille : Art Students Week, une opération qui invite les étudiants en école d’art à publier leurs travaux sur Instagram. Vers de nouvelles passerelles. »

Entrée libre

L’histoire de l’art pour les nullissimes, First éditions Paris, 24,95€, 288 p.

ART & LANGUAGE : REALITY (DARK) FRAGMENTS (LIGHT)
CHÂTEAU DE MONTSOREAU-MUSÉE D’ART CONTEMPORAIN
05.04 – 30.06.2018

 La collection permanente du Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain s’enrichit de 800 œuvres du mouvement Art & Language. Pour célébrer cet événement, le musée lui consacre une grande exposition à partir du 5 avril ART & LANGUAGE : REALITY (DARK) FRAGMENTS (LIGHT).
Reconnu comme pionnier de l’Art Conceptuel, le mouvement Art & Language est présent dans les collections des plus grands musées : Centre Georges Pompidou, Tate Modern, MoMA.

“ Nous devons continuer à oeuvrer parce que si nous nous arrêtions ce serait comme si nous n’avions jamais commencé. 

Des artistes hors cadre

ART & LANGUAGE : REALITY (DARK) FRAGMENTS  (LIGHT), du vide à la pornographie retrace 50 ans du parcours de ces artistes critiques, provocateurs, subversifs, punks. Cette attitude d’Art & Language les a souvent fait apparaître comme des artistes inclassables et à la marge, refusant de céder à la facilité, aux modes et à l’appauvrissement de l’art pour revenir à l’essentiel : l’œuvre elle-même.
A travers les grandes questions au cœur de l’œuvre d’Art & Language : la conversation et sa capacité à faire œuvre, la description, la porosité des pratiques artistiques, la crise de la relation entre l’artiste, le musée et la galerie d’art et ses implications dans le processus même de création, le Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain met en doute la lecture parfois simpliste qui a été faite de l’Art Conceptuel. Loin de la dématérialisation de l’œuvre d’art, l’Art conceptuel aurait-il donné naissance à l’art contemporain ?
De salle en salle : PORTRAITS, WOMAN, DESCRIPTION, MUSIC IN CASE, MODERN,TEXT, PAST, VOID, ALIENS, CORPORATION, REALITY, FRAGMENTS, FORBIDDEN, d’ombre en lumière, l’exposition présente des pièces iconiques du mouvement comme Mirror Piece ou The Air conditioning show , des installations (Tell me) have you ever seen me ? et des textes inédits comme les Pornographics texts.
Invariablement, les œuvres sèment le trouble et forcent à sortir des sentiers battus pour instaurer des relations angulaires, désarticulées, avec le langage et le visuel

Créé en 2016 à l’initiative des Journées Nationales du Livre et du vin et du Château de Montsoreau-Musée d’Art Contemporain, le Prix François Morellet rend hommage à François Morellet, l’artiste français le plus exposé dans le monde.
Avant sa disparition en 2016, François Morellet accepte de parrainer ce prix qui récompense chaque année des écrits sur l’Art, qu’ils soient monographiques, théoriques ou historiques. La remise du prix 2018 se déroulera le 17 juin à Saumur dans le cadre des Journées nationales du Livre et du Vin.

Avec son habituelle clarté, il livre les clés d’un monde trop souvent fermé au large public, absent de notre éducation et délaissé par les penseurs. En revenant sur l’histoire et les causes de la construction d’un mouvement, sur la signification des œuvres face aux interrogations de notre société, Michel Onfray éveille la curiosité et l’intérêt : il nous ouvre enfin les portes des musées et des collections d’art contemporain. »
(Lola Caul-Futy Frémeaux).

2017 : Philippe Méaille remet le prix François Morellet à Michel Onfray.

2016 : Philippe Méaille remet le prix François Morellet à Catherine Millet.

Le prix a été remis par Laurent Hamon, député de Maine-et-Loire, Régine Catin, membre de la commission culture au Conseil régional des Pays de la Loire et Philippe Méaille, Président de l’Association culturelle du Château de Montsoreau.

Trophées dessinés par Pascal Morabito. Journées Nationales du Livre et du Vin, Saumur. Prix François Morellet

Visites guidées animées par
un guide conférencier.

Pendant deux jours, un guide conférencier accompagne les visiteurs dans leur découverte du monument tout en donnant des clés de lecture pour appréhender simplement l’Art Contemporain.
A 10h30 et 11h30 : l’histoire du lieu en 20 minutes.
A 16 heures et 18 heures : pour aller plus loin, une visite approfondie du château et de la collection Art & Language.

Tarif exceptionnel
Adulte : 7,30€
Enfant : 3€

« Ce qui compte ce n’est pas ce que vous regardez, c’est ce que vous voyez »
Henry David Thoreau

Le 14 avril, le Château de Montsoreau – Musée d’Art Contemporain participe à la journée internationale du Slow Art Day.
Imaginée par Phil Terry, cette journée va à l’encontre d’un mode de consommation frénétique  de la culture et invite au contraire à raleMalabarntir et à regarder ne serait-ce qu’une œuvre d’art  mais avec attention.
Le temps d’une journée particulière, les visiteurs sont invités à prendre du temps pour admirer les oeuvres et à échanger leurs impressions avec d’autres visiteurs le temps d’un moment de convivialité.
Créé en 2008, le Slow Art Day rassemble à travers le monde des musées qui développent une approche « bien être », en se connectant principalement sur ses sensations, ses émotions, et ses propres perceptions des œuvres d’art. Il concerne aujourd’hui 12 pays et plus de 170 événements dans des musées internationaux : la National Gallery, l’Ashmolean Museum, la 440 Gallery de Brooklyn, l’Art Gallery of New South Wales de Sydney ou le Palazzo Strozzi à Florence.

Le principe du Slow Art Day consiste à regarder trois œuvres d’art pendant 5 à 10 minutes pour ensuite partager son expérience avec les autres visiteurs du musée. Au Château de Montsoreau, les visiteurs sont ainsi inivités à découvrir Mirror Piece (Art&Language), Air Conditionning Show (Art&Language) et Malabar (Ettore Sottsass) pour ensuite échanger leur ressenti entre eux et avec un médiateur du musée autour d’un café dans sa cave à manger JEAN 2 qui pratique, elle aussi, le slow food.