AGNES THURNAUER 25.06-25.10.2019

Agnès Thurnauer, artiste Franco-Suisse de renommée internationale qui a eu l’honneur d’accrocher une galerie de portraits féminisés sur le mur d’entrée du Centre Pompidou pendant deux ans puis au SAM de Seattle et au CCBB de Rio de Janeiro, investit le Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain du 25 juin au 25 octobre 2016.
Son œuvre protéiforme la rend inclassable dans l’univers artistique contemporain et donne tout son sens à l’exercice rétrospectif.

La réponse qu’Agnès Thurnauer apporte aujourd’hui est sous la forme d’une histoire, celle de la peinture, qu’elle travestit en féminisant ou en masculinisant les prénoms des plus grands héros de la peinture occidentale. Elle présente dans la plus grande salle du Château une galerie de Portraits, faisant partie de la série de ceux déjà présentés au Centre Pompidou, offrant un panorama de l’histoire de la peinture allant de Nicole Poussin (tout spécialement réalisé pour l’exposition) à Annie Warhol, en passant par Roberte Mapplethorpe.

Chacun de ces Portraits « Grandeur Nature », comme les appelle Thurnauer, est pour le spectateur une occasion de se remémorer, ou de rencontrer une œuvre d’art, et ce, au travers du nom de l’artiste en soulignant la signification et l’importance du patronyme. Ce nouveau complexe prénom/patronyme devient la forme de la peinture, et permet d’extraire la peinture de la notion de genre, de raconter une autre histoire de l’art : une histoire de l’art ou le créateur de l’œuvre n’est plus dans un rôle d’homme ou de femme, mais dans un rôle de peinture. Un rôle dans lequel il ou elle incarne cette peinture qui pourrait bien ne pas avoir de genre. Une façon de dire qu’en tout cas cette histoire n’appartient pas aux seuls hommes.

HOMMAGE A FRANCOIS MORELLET 13.12.2016

A partir du 13 décembre, le Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain rend hommage à François Morellet, père du Minimalisme disparu cette année.
A la suite de l’hommage rendu le 7 novembre dernier au Centre Georges Pompidou, le Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain tient à saluer à son tour cet artiste originaire de Cholet et dont la renommée internationale a permis à l’Art français de rayonner au niveau mondial.
La production de François Morellet est intimement liée à l’histoire de l’Art Conceptuel, base de la collection permanente du Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain.
Après avoir créé le Prix François Morellet en avril 2016 en collaboration avec le Département de Maine et Loire et les Journées nationales du Livre et du Vin, le Château de Montsoreau, nouveau musée d’Art Contemporain en Val de Loire, donne un coup de projecteur sur l’œuvre de François Morellet en installant une œuvre sur la façade du bâtiment consacré aux expositions temporaires.

Le geste artistique

Passant sur les parois vitrées des cinq portes fenêtres du bâtiment accueillant les expositions temporaires, une œuvre intitulée « Courbe contrainte au porte-à-porte» représentant une courbe adhésive jaune citron, sera installée le 13 décembre 2016, en collaboration avec Danielle et Frédéric Morellet.
C’est à partir de 1969 à Amsterdam (Galerie Swart) que François Morellet crée les premiers adhésifs éphémères qu’il colle directement sur les murs d’édifices emblématiques : le Musée Galliera (1971), la Kunstverein de Hambourg (1971), e Musée des Beaux-Arts de Grenoble (1972), la Staatliche Kunsthalle de Baden-Baden (1977).
En 1954, François Morellet réalise pour la première fois une peinture à l’huile sur quatre panneaux de bois : “Arc de cercle brisé en 4” qui deviendra un principe très représentatif de ses systèmes.
En 1980 à Duizel au Pays-Bas, François Morellet l’applique également à l’architecture, sur un ensemble de bâtiments: “Fragmentation de droites et de courbes de néon”.
Selon ce principe cher à l’artiste, Courbe contrainte au porte à porte rapproche les différentes surfaces d’intervention, puis trace une ou plusieurs lignes sur l’ensemble. Ces surfaces d’intervention sont ensuite écartées pour retrouver leurs positions initiales (ou réelles pour ce qui concerne l’architecture).

François Morellet, père du Minimalisme
Peintre, graveur et sculpteur, François Morellet est considéré comme l’un des acteurs majeurs de l’abstraction géométrique de la seconde moitié du XXème siècle.
Précurseur de la peinture systématique en France, son travail se situe dans la lignée de l’art géométrique et constructiviste.
Pour Morellet, l’œuvre d’art ne renvoie qu’à elle-même. Il entend contrôler le processus de création et démystifier la mythologie romantique de l’art et de l’artiste. L’application rigoureuse des notions de géométrie, apporte au fil des années une approche spatiale qui le situe d’emblée à l’avant-garde de l’art concret ou de l’art minimal.
Artiste international usant de multiples supports (toiles, tableaux, adhésifs, néons, surfaces de bâtiments…), Dès les années 70, il jouit d’une grande considération en France, Allemagne, Suisse, Grande-Bretagne, Italie, Pays-Bas, États-Unis se manifestant par un nombre important de commandes publiques et privées.

FICTION 28.09.2016 – 03.01.2017

Seul Château de la Loire construit dans le lit du fleuve, le Château de Montsoreau est depuis 2016 un musée d’art contemporain.  Ce château historique qui s’inscrit aujourd’hui dans le présent à travers la création contemporaine, a été durant l’année universitaire 2015/2016 le sujet d’étude des étudiants de l’Ecole Camondo qui ont imaginé son futur à travers le design et l’architecture.  A partir du 29 septembre, l’exposition temporaire FICTION présente les projets primés par le jury à l’issue de cette collaboration.

Réinventer le patrimoine
En 2015 le Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain a été confié comme sujet d’étude à aux futurs designers et architectes d’intérieur de l’Ecole Camondo pour qu’ils en réinventent les espaces en lien avec la nouvelle vocation du lieu. La problématique était de trouver un équilibre entre le monument, classé Monument historique, les exigences de l’accrochage contemporain et les attentes du public. Dans cet esprit, les étudiants ont également travaillé sur le mobilier muséal, la scénographie et l’accès au monument

15 projets d’ambition
Pour appréhender les volumes, les 58 étudiants de cinquième année se sont rendus au château en septembre 2015 alors qu’il était encore en rénovation. Au cours de l’année, les étudiants se sont interrogés sur problématiques de circulation dans le monument et sur les espaces annexes : le restaurant, la billetterie, la boutique afin de traduire la nouvelle identité du lieu.  Les projets des 15 étudiants exposés font écho à la volonté du Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain d’améliorer l’expérience de visite et de répondre aux attentes des publics.

PROTEST 1517-2017, 31.10.2017

Il y a tout juste 500 ans Martin Luther (1483-1546) changeait le cours de la civilisation occidentale en placardant ses 95 thèses sur les portes de l’église de Wittenberg, condamnant violemment le commerce des indulgences pratiqué par l’Eglise catholique. Par ce geste performatif qui investit l’espace urbain et s’adresse au monde entier, Luther accuse, conteste et affirme ses convictions. Ce geste donnera naissance à l’église protestante.
A l’occasion de cette date anniversaire, le Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain a donné carte blanche aux protestataires d’aujourd’hui – artistes, philosophes, directeurs de musées – pour qu’ils créent chacun une affiche.

De l’affiche au livre
PROTEST est une édition contenant un texte de présentation et six affiches.
PROTEST est envoyée par courrier aux musées et centres d’art dans le monde entier afin qu’ils affichent, s’ils le souhaitent, sur leurs portes une ou plusieurs de ces affiches.
L’existence de PROTEST dans l’espace urbain est donc conditionnée par la volonté des musées d’accepter d’afficher ces réflexions et ces manifestes dans leur propre espace.
L’affichage des œuvres dans l’espace urbain sera relayé sur les réseaux sociaux le 31 octobre.
Editée à 1000 exemplaires, PROTEST est curatée par Fabien Vallos et co-éditée avec les éditions Mix.

Autour de PROTEST
L’édition PROTEST fera l’objet de deux lancements, un au Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain le 31 octobre 2017 (date anniversaire), l’autre le 2 novembre chez Florence Loewy Bookstore Paris.
Une journée d’étude organisée en partenariat avec l’ESBA-TALM d’Angers aura lieu le 22 novembre au Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain.

A Berlin, Kassel et Wittenberg l’exposition Luther und die avant-garde s’intéresse non pas à la figure historique de Luther mais sa capacité à bousculer l’ordre établi pour proposer une vision nouvelle de la société.

31/10/17, 18h30 : lancement et dédicace.
Librairie du Château de Montsoreau – Musée d’art contemporain.

02/11/17, 18h30 : lancement et dédicace.
Florence Loewy Bookstore.
9 rue de Thorigny, Paris 3.
www.florenceloewy.com/bookstore

22/11/17, 10h-17h : journée d’étude.
Château de Montsoreau – Musée d’art contemporain.
en partenariat avec ESBA TALM Angers

 

ETTORE SOTTSASS DESIGNER DU MONDE 04.04 – 20.06.2017

credit photo: Bruno Gecchelin

Le Château de Montsoreau – Musée d’Art Contemporain consacre une exposition à Ettore Sottsass, artiste radical, à la fois designer, architecte, céramiste, dessinateur, photographe, cassant volontiers les codes bourgeois liés à l’objet.
Trois fois lauréat du très prestigieux Compasso d’Oro, Sottsass est un des acteurs majeurs des groupes, Antidesign (1966), Global Tools (1973), Alchimia (1976), Memphis (1981) et crée le Studio Sottsass Associati (1982).
Ses œuvres sont présentes dans les collections du Centre Georges Pompidou, du MoMA, du Metropolitan Museum et du Victoria and Albert Museum.

“Faire du design, ce n’est pas donner forme à un produit plus ou moins stupide pour une industrie plus ou moins luxueuse. Pour moi le design est une façon de débattre de la vie.” (Ettore Sottsass)

Entre révolution et affranchissement
Dans ses œuvres, Ettore Sottsass livre un regard sur le monde qui traduit un nouveau rapport de l’homme à l’objet. Considérant que l’objet influence plus ou moins directement celui qui le possède, il crée des meubles qui ne se définissent plus seulement par leur fonction mais par leur capacité à faire naître un imaginaire. Il souhaite « faire coïncider culture et libre créativité individuelle ».
Avec la série Foto dal Finestrino publiées chaque mois dans le magazine Domus, Sottsass, observateur aiguisé, s’interroge sur le monde qui l’entoure et le remet en question. Cette poésie du monde, palpable dans l’objet deviendra le marqueur d’une pensée revendicatrice et d’une époque.

Créateur d’icônes
Les objets créés par Sottsass sont représentatifs d’une société en mutation, d’un affranchissement vis-à-vis des codes et du conformisme.
Inspirée du Pop Art, la machine à écrire Valentine, fabriquée par la firme Olivetti, est à elle seule une révolution. Rouge comme un rouge à lèvres, légère comme un sac à main, sexy jusque dans ses formes, elle ose dévoiler son mécanisme et finalement raconte la société de la fin des années 60.
Brigitte Bardot s’affiche avec sa Valentine à la main dans le film Les femmes de Jean Aurel (1969), David Bowie compose son tube planétaire Let’s Dance sur ses touches brillantes et dans Orange Mécanique, Stanley Kubrick en place une dans la chambre de Malcolm MacDowell. Le mobilier créé par le groupe Memphis, se pose aussi comme une rupture avec les idées bourgeoises, par ses associations nouvelles de matériaux de synthèse comme le stratifié de Abet Laminati avec des matériaux luxueux comme la laque ou le bois doré.

Designer du monde
Volontairement non rétrospective, l’exposition proposée par le Château de Montsoreau, retrace cette conception du design comme matérialisation concrète d’une philosophie de la vie, libre et décomplexée.
En collaboration avec le Museo Alessi, Kartell, Abet Laminati, la galerie XXO et Akmé, l’exposition revient sur l’expérience fondatrice dans l’entreprise d’électronique Olivetti, l’exubérance Memphis et la remise en question du langage de l’architecture dans les années 70.

JOURNÉES EUROPÉENNES DU PATRIMOINE 21-22 SEPTEMBRE 2019

Visites guidées

Pendant deux jours, les médiateurs du musée accompagnent les visiteurs dans leur découverte du monument tout en donnant des clés de lecture pour appréhender simplement l’Art Contemporain.
A 10h30, 15h00 et 17h00 : l’histoire du lieu en 20 minutes.
A 11h00, 14h00 et 16h00 :  visite approfondie du château, de la collection permanente d’art contemporain du musée et de l’exposition temporaire Roman Signer.

Tarif exceptionnel
Adulte : 7,80€
Enfant : 3€

LA POSSIBILITE D’UNE ILE 15 SEPTEMBRE 2019 19H30

crédit photo Thierry Cantalupo

LA POSSIBILITÉ D’UNE ÎLE DE MICHEL HOUELLEBECQ
Dimanche 15 septembre à 19h30
Cour du château

La Possibilité d’une île, c’est l’histoire d’un comique, Daniel. Dans les années 2010, il devient millionnaire en écrivant des spectacles vulgaires et politiquement incorrects, quelque part entre Dieudonné et Bigard. Un soir, il tombe amoureux d’Isabelle, rédactrice en chef du magazine Lolita. Elle
a trente-sept ans, lui trente-neuf. Ils se marient puis se retirent dans une immense propriété en Andalousie. Les années passent et leur amour n’y survit pas. Vers la fin de sa vie, Daniel rencontre Esther. Dès les premiers instants de cette rencontre, il comprend qu’il va vivre avec elle un bonheur total et que la perte de ce bonheur va le tuer.

Adaptation et mise en scène de Léo Cohen-Paperman

Réservations au 02 53 20 32 99 ou sur la billetterie en ligne 
Tarif au choix: 
5€, 10€ ou 15€. Dans un idéal de démocratisation culturelle, le NTP pratique depuis 2009 un tarif unique de 5€ la place.
Aujourd´hui, pour préserver le festival, le NTP propose une nouvelle tarification où chacun peut choisir le prix de sa place sans avoir à justifier de sa situation.

 

Le Nouveau Théâtre Populaire

Le Nouveau Théâtre Populaire est un collectif, qui crée en 2009, un festival de théâtre en plein air à Fontaine-Guérin (49). Le festival grossit, jusqu’à présenter en alternance six spectacles par édition. Il a lieu chaque été, au mois d’août.
La troupe a aussi grossi au fil des ans. Aujourd’hui, elle rassemble vingt membres : Pauline Bolcatto, Valentin Boraud, Julien Campani, Philippe Canalès, Baptiste Chabauty, Léo Cohen- Paperman, Thomas Chrétien, Emilien Diard-Detœuf, Clovis Fouin, Frédéric Jessua, Joseph Fourez, Sophie Guibard, Elsa Grzeszczak, Lazare Herson- Macarel, Lola Lucas, Morgane Nairaud, Antoine Philippot, Julien Romelard, Claire Sermonne et Sacha Todorov.
Le fonctionnement de la troupe est démocratique, toutes les décisions sont prises collectivement, mais chaque spectacle a un metteur en scène qui conserve sa singularité artistique. Sans vouloir affirmer de dogme, le Nouveau Théâtre Populaire se reconnaît dans les valeurs de Jean Vilar : grands textes, prix bas, décentralisation.
Ont été déjà montés au festival : Andersen, Brecht, Büchner, Claudel, Corneille, Feydeau, Fosse, Hugo, Maeterlinck, Molière, Novarina, Perrault, Shakespeare, Rabelais, Singer, Sophocle, Tchekhov, Winsor Mc Cay ainsi que deux créations collectives sur la Ve République et la 1ère Guerre Mondiale.

Subventionné par l’Entente-Vallée (Beaufort-en-Anjou, Les Bois d’Anjou, Mazé-Milon, La Ménitré), le Ministère de la Culture-drac Pays-de-la- Loire et la Région Pays-de-la-Loire. Avec le soutien du Théâtre National Populaire, du Quai-CDN d’Angers, et des communes Beaufort-en-Anjou, Loire-Authion, Baugé-en-Anjou.

 

Yoga 10-11 août 2019

Le Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain ouvre ses espaces d’exposition à la pratique du yoga et invite à faire corps avec le lieu.

Les samedi 10 et dimanche 11 août à 9 heures, Garlone Bardel et Dominika Roslon, fondatrices de Slo.TIME, installent leurs cours de yoga dans les salles du musée.

La pratique comprend deux temps : Hatha Yoga, yoga postural, accessible à tous permettant de délier les tensions corporelles et Yoga Nidra, ayant pour effet une triple relaxation: mentale, physique, émotionnelle.
Dans le Yoga Nidra, seule l’écoute est sollicitée, créant une sensibilité particulièrement affinée aux mots, véritable tremplin sensoriel vers l’expérience des œuvres d’art.
A l’issue de l’atelier Yoga, un petit déjeuner issu du Yoga Cook Book écrit par Garlone Bardel, sera partagé au restaurant Jean 2.
Une expérience globale, corps et mental reliés, où l’art tisse des liens étroits avec l’art de vivre, où le contact avec l’intériorité permet d’ouvrir le regard vers l’extérieur avec une conscience élargie.

Slo.TIME est né de l’envie commune de Garlone Bardel et Dominika Roslon de mettre leurs champs de compétences au service de l’humain pour tendre vers davantage de discernement et d’harmonie
dans le quotidien, tissant des liens entre l’écologie individuelle et globale.
Selon, l’adage « Less is more », elles proposent des expériences de yoga, des nourritures à partager et des espaces à vivre, en adéquation avec nos besoins fondamentaux de respect de la Terre, du corps et du mental.
INSTAGRAM : @slo.time

Durée : 1h30
Tarif : 25€ / personne
Nombre de places limité à 20 personnes.
Prévoir une tenue confortable.
Matériel fourni : tapis/coussins/plaids.
Réservations : 02 41 67 12 60 / contact@chateau-montsoreau.com

Véronique 21.07.2019

julien carreyn

Le dimanche 21 juillet 2019, le Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain accueille My-Lan Hoang-Thuy et Julien Carreyn pour le lancement de trois publications issues de l’exposition “Véronique” présentée par le Frac Poitou-Charente du 8 février au 18 mai 2019. Dans ces publications, My-Lan Hoang-Thuy s’éloigne du format traditionnel du catalogue d’exposition, pour livrer son interprétation des corpus d’images constitués et réalisés par Aurélien Mole et Julien Carreyn lors du montage « semi-fictionnel » de leur exposition angoumoisine.

Librairie du musée – Entrée libre
Heure : 18h00 – 19h30

Véronique
Les FRAC de Nouvelle-Aquitaine ont invité Aurélien Mole, artiste et photographe spécialisé dans la documentation de l’art contemporain, à concevoir un cycle d’expositions à partir de leurs collections photographiques. Aurélien Mole s’est associé à l’artiste Julien Carreyn dont l’œuvre, sensible à la temporalité des esthétiques, creuse le potentiel poétique et symbolique de ce genre artistique académique qu’est le nu. L’exposition qu’ils ont conçue ensemble a révélé l’attention particulière portée par les trois FRAC de Nouvelle-Aquitaine à une photographie « de photographes », en particulier au cours de la première décennie de la constitution de leurs collections alors que ce médium n’avait pas encore été largement investi par les artistes plasticiens. La cinquantaine d’œuvres retenue a procédé d’une sélection délibérément subjective opérée par les artistes-commissaires selon une « coupe esthétique » à travers les collections orientée par la question suivante : « Quelles photographies aimerions-nous voir portées par un modèle nu dans la salle d’exposition ? ». L’exposition présentait également des œuvres photographiques créées par Aurélien Mole et par Julien Carreyn au cours du montage.

Julien Carreyn
Julien Carreyn est né à Angers en 1973. Il vit et travaille à Paris. Après avoir exercé la profession de directeur artistique, Julien Carreyn recentre son activité autour de la production d’images, dessins et photographies. Depuis il s’est appliqué avec beaucoup de persévérance, et un brin d’obsession, à produire un corpus de plus en plus dense, explorant des territoires aussi variés que l’est sa culture transversale de l’image et qui englobe aussi la bande dessinée érotique des années 70, la peinture impressionniste, l’illustration jeunesse… Plus récemment, dans « Photographies du soir » à la galerie Crèvecoeur (Paris), les photographies d’extérieur de Julien Carreyn explorent notre pays, ses difficultés à négocier son prestige essentiellement lié au passé, et son esthétique obéissant aux critères et goûts que l’on suppose être celui des classes moyennes. Il ne s’agit ni d’une approche critique ni d’un témoignage mais plutôt d’une fuite ; un désir d’éloignement dont le point de départ serait une zone péri-urbaine située au bord du rien. Entre 2016 et 2017, Julien Carreyn présente «Chez Bergeron » au Vent des forêts (Fresnes-au-Mont) ainsi qu’une collaboration « Julien Carreyn avec Ker-Xavier » à la Galerie des Multiples (Paris).

Aurélien Mole
Aurélien Mole est né en 1975 à Téhéran. Diplômé de l’école du Louvre en histoire de la photographie, il a poursuivi son cursus à l’école nationale supérieure de la photographie à Arles et l’a conclu par une formation sur les pratiques de l’exposition dirigée par Catherine Perret et Christian Bernard. Son travail a fait l’objet d’expositions personnelles à la Galerie Lucile Corty en 2009 (En bonne intelligence), galerie Florence Loewy en 2010 (Le Catalogue), à la villa du Parc en 2012 (Sir Thomas Trope). Il a participé à de nombreuses expositions collectives en France et en Europe (Cargo Culte à la Vitrine ; Répétition dans l’épilogue, galerie Lucile Corty ; If I can’t Dance I don’t want to be part of your revolution, Van Abbe Museum ; Double Bind, Villa Arson). Par ailleurs, il a publié régulièrement dans le magazine Art21, des critiques ayant trait à l’exposition ainsi que des monographies sur des artistes contemporains (Aurélien Froment, Guillaume Leblon, Gaël Pollin…). Il réalise aussi des expositions basées sur des dispositifs au sein du collectif le Bureau/(35h. aux Laboratoires d’Aubervilliers en 2004 ; P2P au Casino, Luxembourg, en 2008) et en son nom propre (Relationship of Command, Galerie J à Genève en 2007 ; Sfumato à Sassari en Sardaigne en 2008).

My-Lan Hoang-Thuy
My-Lan Hoang-Thuy est née en 1990 à Bourg-la-Reine. Elle vit et travaille à Paris et a suivi une Formation à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris de 2015 à 2017.
« Bicéphale. C’est peut-être un travail à deux têtes que l’artiste plasticienne My-Lan Hoang-Thuy met en scène. S’entremêlent dans ses créations deux cultures visuelles, l’une occidentale, l’autre extrême-orientale. La culture occidentale est, pour sa part, liée à ses études franco-suisses de design graphique où l’histoire de ses codes et son effet sur le conditionnement des esprits l’imprègnent. Il en découle des créations qui interrogent le pouvoir et l’impact du langage visuel sur la société. C’est le cas de sa série de sculptures de signatures en bois des grands noms de la Sillicon Valley (Sergey Brin ou Mark Zuckerberg). En dessinant dans l’espace ces noms de personnalités qui sont à l’origine des outils que l’on utilise tous les jours, l’artiste illustre une normalisation en acte. Définir l’outil c’est influer sur la forme. Aussi remonte-t-elle à la source d’une typologie d’outils symboliques (Mac, Photoshop, outil de recherche tel que Google) pour renverser un certain ordre visuel prévisible. L’autre pan de son travail, dont la source est plus enfouie mais notable, vient de cette culture asiatique, parfois kitsch, selon ses termes, qui émerge sous la forme de matériaux (nacre, bois) ou de certains motifs floraux, à l’instar de ses fleurs tatouées ou de ses sculptures qui reprennent la structure de temples vietnamiens. Ses autoportraits sur nacre, petits éclats de sa propre image, renouent avec deux histoires : la sienne, bien sûr, mais aussi celle de la photographie détournée ici de son support traditionnel. C’est également le cas des photographies qu’elle a prises de ses environnements personnels, imprimées sur PVC, et qui permettent à l’image de sortir du cadre. Émanciper les techniques, les renverser : ainsi se structure la démarche d’une artiste qui connaît trop bien la technique et les machines pour ne pas, un peu et gentiment, les malmener, afin de conjurer le prévisible et perturber l’attendu ». (Par Léa Chauvel-Lévy)

 

Roman Signer 06.07 – 06.11.2019

Sandobjekt

A partir du 6 juillet 2019, le Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain donne carte blanche à l’artiste suisse Roman Signer, connu dans le monde entier pour ses performances explosives et ses prises de risque assumées. L’exposition met en perspective sculpture et photographie et souligne la capacité de l’artiste à repenser les principes mêmes de la sculpture contemporaine.

 

Un artiste sous tension
Il est un lieu commun de dire que la révolution est quelque chose de stupide risqué et dangereux. L’exposition occupe quatre mois durant tout le deuxième étage du Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain et réunit des œuvres phares de Roman Signer telles qu’une série de photographies inédites prises entre 1972 et 1986. Légendaire pour ses interventions sur les objets qu’il transforme avec des explosifs comme force motrice, Roman Signer utilise aussi l’instantané qui permet de figer ses préoccupations. Au fil des photographies exposées, la nature se révèle comme l’atelier ou plutôt le laboratoire de l’artiste. Le visiteur est invité à y pénétrer et à observer à distance. Il devient spectateur des «accidents» heureux ou catastrophiques savamment orchestrés par l’artiste (Ballon mit Spazierstock, 2016) à un moment où la réalité est perturbée, modifiée par un événement inattendu. L’exposition montre l’œuvre de cet artiste souvent perçu à tort comme en recherche de spectaculaire et de sensationnel. Les œuvres choisies montrent Signer comme un opérateur précis et direct, refusant de se mettre en scène et rejetant le concept de performance.

Sculpteur du temps
On y retrouve le souci constant de l’artiste de questionner le temps. Temps long, lorsqu’un hélicoptère vient perturber le concert improbable d’un pianiste sur le ponton d’un lac (Vers la Flamme und Roman Signer, 2014), temps court lorsqu’une série de bidons remplis d’eau dégringole à toute vitesse du toit d’une maison (Dachlawine, 2017). Le parcours scénographique souligne ainsi le rôle crucial des quatre éléments dans l’œuvre de l’artiste, point de départ et point d’arrivée de ses œuvres.
Roman Signer réserve des destins surprenants aux objets les plus anodins comme un ventilateur ou un ballon faisant ainsi surgir une poésie de la destruction.

06.07 – 06.11.2019
Tous les jours de 10h à 19h
Vernissage public le 6 juillet à 18h

Mappa Mundi 10.05 – 05.07.2019

Du 10 mai au 5 juillet 2019, l’exposition Mappa Mundi présente les nouvelles acquisitions du Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain : 50 œuvres inédites de Art & Language, montrées pour la première fois en France.

Déployée sur le dernier étage du musée, l’exposition s’ouvre sur l’installation Mother, Father, Monday: Map of the World, 2000, œuvre monumentale composée de plus de 150 tableaux monochromes représentant une immense carte du monde. Chaque tableau est autonome mais représente aussi un détail d’une carte dont il fait partie. Comme dans La Chasse au Snark de Lewis Caroll, la carte s’étire et finit par occuper toute la surface de la pièce.

Le film Qui Pourra est une plongée dans l’atelier des artistes de Art & Language. Le titre fait  référence à une injonction de Gustave Courbet – « Trouve qui peut » – à propos de son œuvre L’Atelier du Peintre. Les artistes sont absents mais leurs voix, lointaines, se font entendre la voix off d’un film. Ils sont rejoints par une autre voix, non identifiée, qui fait une entrée hésitante sous la forme d’un texte qui envahit peu à peu l’image.

Réalisées en 2019,  Ten posters : illustrations for Art-Language  est une série de dix affiches réalisées en 1977. Art & Language posent la question de la fabrication de l’œuvre. En détournant les codes des affiches de propagande et en construisant cette série d’affiches comme une suite d’images, à la manière des 7 péchés capitaux, ces affiches nous parlent des fondements notre société et surtout de ce qui fait la réussite des codes de la tragédie à l’intérieur de celle-ci.

L’exposition se clôt sur une salle interdite aux moins de 18 ans dans laquelle est présentée une série de variations sur de textes pornographiques évoluant peu à peu vers le comique, à la manière de Ms Malaprope.

EDIT-A-THON 13-19 mai 2019

Du 13 au 19 mai, à l’occasion de la Museum Week, le Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain, partenaire de l’événement, s’associe à Wikipedia pour organiser un Edit-A-Thon ou marathon d’édition d’une d’une semaine destiné aux femmes. L’Edit-a-thon vise à créer du contenu sur les œuvres de Art & Language et à lutter contre le déficit de contributions des femmes sur Wikipedia ( moins de 10% des éditeurs de Wikipedia sont des femmes). 

Edit-A-Thon : quézako ?
Un éditathon est une séance pendant laquelle un groupe de personnes découvre et contribue sur l’encyclopédie en ligne Wikipédia, sur un thème à partir de ressources mises à disposition. Ces personnes peuvent : créer un article, traduire un article depuis un Wikipédia étranger, enrichir un article existant (restructurer, ajouter du contenu), ajouter des sources à un article, légender des photos, trouver des photos libres de droit pour illustrer un article ou encore corriger des articles existants.
Au Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain, ce challenge collaboratif adopte un format inédit – une semaine non stop de contributions – et s’adresse en particulier aux femmes mises à l’honneur lors de la Museum Week avec le hashtag #WomenInCulture.

Museum Week
A chaque jour un hashatag, à chaque jour une ou plusieurs œuvres du collectif Art & Language feront l’objet de contributions lors de l’édit-a-thon.

Lundi : #WomenInCultureMW
Victorine, 1981 (livret d’un opéra-policier dont un acte a été représenté lors de la biennale du Whitney Museum en 2012)

Mardi : #SecretsMW 
11 Studies for a Secret Painting, 1967
Secret Painting, 1967
Index: The Studio at 3 Wesley Place in the Dark III, 1982
Portrait of V.I. Lenin in the Style of Jackson Pollock, 1978

Mercredi : #PlayMW 
The Air-Conditionning Show, 1966-67
Index 01, 1972
Microfilm Index, 1972
Loop, 1967
Index: Incident in a Museum, 1985-87
Map of Itself , 1966-67
-Map to not Indicate , 1966-67
-Map of Ocean, 1966-67

Jeudi : #RainbowMW 
Mother, Father, Monday: Map of the World, 2000
Flags for Organizations, 1978

Vendredi : #ExploreMW 
The Air-Conditionning Show, 1966-67
Mirror Piece, 1965

Samedi : #PhotoMW 
Painting I Nr1 à Nr22, 1966
Mirror Piece, 1965
Portrait of V.I. Lenin in the Style of Jackson Pollock, 1978
Microfilm Index, 1972

Dimanche : #FriendsMW 
-Red Crayola et Art & Language
-Jackson Pollock Bar

Prérequis
Pas de connaissance particulière de Wikipédia. Les participants se créeront au préalable un compte sur Wikipédia (en cliquant ici). Une session de formation sera offerte mais une aide sera disponible tout au long de l’événement. Les participants sont priés d’apporter leurs propres ordinateurs portables et chargeurs. Un accès Wi-Fi ainsi que le catering sont fournis. Vous disposerez de livres issus du fonds documentaire du Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain. Voir la page projet de l’événement, sur Wikipédia.

FAQ

 

EDIT-A-THON 13-19.05.2019

From the 13 to the 19 of May, on the occasion of the Museum Week, the Chateau de Montsoreau-Museum of Contemporary art, partner of the event, joins forces to Wikipedia to organise an Edit-A-Thon or an edition marathon for a week which is addressed to women. The Edit-A-Thon aims to create ‘contents’ on the Art & Language master pieces, but also to raise awareness on the lack of women’s contents on Wikipedia (indeed less than 10% of the contributors are women).

Edit-A-Thon : what does it mean ?
An editathon is a sitting where a group of people discovers and contributes to the Wikipedia web encyclopaedia, on a theme (with the helped of our documentary resources). These people can : create an article, translate an article from a foreign Wikipedia, enrich an article (reorganize, add contents), add sources to an article, title photos, find photos rights free to illustrate an article or even correct some articles.
At Château de Montsoreau-Museum of contemporary art, this collaborative challenge adopts a unique format – a non-stop week of contributions – and is aimed at women in particular, those who are in the spotlight during the Museum Week with the hashtag #WomenInCulture.

Museum Week

A hashtag will be given every single day, as well as one or several works of art of the group Art & Language will be the subject of contributions during the edit-a-thon.

Monday : #WomenInCultureMW
Victorine, 1981 (libretto of a police opera whose act was represented at the Whitney Museum biennale in 2012)

Tuesday: #SecretsMW 
11 Studies for a Secret Painting, 1967
Secret Painting, 1967
Index: The Studio at 3 Wesley Place in the Dark III, 1982
Portrait of V.I. Lenin in the Style of Jackson Pollock, 1978

Wednesday : #PlayMW 
The Air-Conditionning Show, 1966-67
Index 01, 1972
Microfilm Index, 1972
Loop, 1967
Index: Incident in a Museum, 1985-87
Map of Itself , 1966-67
-Map to not Indicate , 1966-67
-Map of Ocean
, 1966-67

Thursday: #RainbowMW 
Mother, Father, Monday: Map of the World, 2000
Flags for Organizations, 1978

Friday : #ExploreMW 
The Air-Conditionning Show, 1966-67
Mirror Piece, 1965

Saturday : #PhotoMW 
Painting I Nr1 à Nr22, 1966
Mirror Piece, 1965
Portrait of V.I. Lenin in the Style of Jackson Pollock, 1978
Microfilm Index, 1972

Sunday : #FriendsMW 
-Red Crayola et Art & Language
-Jackson Pollock Bar

Prerequisite
No particular knowledge in Wikipedia is needed. The participants will be creating beforehand a Wikipedia account. A training course is offered but someone will be there to help throughout the event. The participants must bring their computers and chargers. An access to the Wifi as well as catering will be furnished. You will have the free access to the documentary resources of the Chateau de Montsoreau-Museum of contemporary art.
Go and check out the project on Wikipedia.

 

 

 

 

Festival de performances 06.03.2019

grace ndiritu

FESTIVAL DE PERFORMANCES DES ETUDIANT(E)S DE L’ESAD TALM
Mercredi 6 mars 2019
14h-17h
Entrée libre

En clôture de trois jours de workshop et d’échanges avec l’artiste Grace Ndiritu, les étudiants de l’Ecole Supérieure d’Art et de Design Tours-Angers-Le Mans,  proposent une après-midi de performances au Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain le mercredi 6 mars.
Festival coordonné par Chloé Maillet et Natsuko Uchino

Grace Ndiritu
Grace Ndiritu travaille sur la performance, la peinture, la vidéo, la photographies, la recherche. En 2012, Grace Ndiritu a pris la décision radicale de ne passer du temps en ville que lorsque cela était nécessaire et de vivre dans des communautés rurales, alternatives et souvent spirituelles, tout en élargissant ses recherches sur les modes de vie nomades et les études ésotériques telles que le chamanisme, qu’elle étudie depuis plus de 16 ans. Ses recherches sur la vie communautaire ont abouti à la création de The Ark: Centre for Interdisciplinary Experimentation.
En 2012, Grace Ndiritu a également commencé à créer une nouvelle œuvre intitulée Healing The Museum, née de la nécessité de réintroduire des méthodes non rationnelles telles que le chamanisme pour réactiver la «sacralité» des espaces d’art. Grace Ndiritu estime que la plupart des institutions d’art modernes ne reflètent pas les expériences quotidiennes du public et que les nombreux changements socio-économiques et politiques survenus dans le monde au cours des dernières décennies ont érodé la relation entre les musées et leur public. Les musées meurent. Grace Ndiritu considère le chamanisme comme un moyen de réactiver l’espace artistique mourant en le transformant en espace de partage.
Grace Indiritu expose dans de nombreux musées : Museum Modern of Art de Varsovie; Centre Pompidou, Paris; Chisenhale Gallery, Londres; Ikon Gallery, Birmingham, Fondation Antoni Tàpies, Barcelone; Laboratoires d’Aubervilliers, Paris; École d’art de Glasgow; Klowden Mann Gallery, Los Angeles; La Ira De Dios, Buenos Aires et la 51e Biennale de Venise.
www.gracendiritu.com

 

Natsuko Uchino
Artiste interdisciplinaire japonaise, diplômée de la Cooper Union (NYC) et du CCA Kitakyushu (Japon), Natsuko Uchino est representée par les galeries Green Tea (Japon) et Last Resort (Danemark) développe une pratique transversale entre art et écologie. Amenée par son expérience de la polyculture agricole à décloisonner les disciplines artistiques, elle commence la céramique dans le but de créer les contenants pour sa production agricole avec la même terre qui avait nourri la récolte. Depuis, un apprentissage dans le village artisanal de Tamba au Japon confirme l’intérêt de l’artiste pour le médium céramique, qui dans son travail, sert de charnière entre agriculture, paysage, environnement et convivialité. Natsuko Uchino participe à la résidence du Centre International d’Art et du Paysage – Ile de Vassivière en 2014, puis travaille en 2015 sur les sujets de l’art dans le milieu naturel avec l’Ecole Cantonale d’Art du Valais, et la ruralité avec la revue Peeping Tom Digest. Natsuko Uchino est professeure de sculpture et céramique à l’ESAD Le Mans.

 

Chloé Maillet
Chloé Maillet est artiste et chercheuse. Elle a étudié l’histoire et d’histoire de l’art à Paris 1 Panthéon-Sorbonne. Elle est docteure en anthropologie historique de l’EHESS (Ecole des Hautes études en Sciences Sociales), elle a suivi le programme le Pavillon (Palais de Tokyo, 2008-2009), la Coopérative de Recherches de l’Ecole Supérieure d’Art de Clermont-Métropole (2014-2015), et suivi post-doctorat au Musée du quai Branly (2015-2016). Correspondante ALHOMA-CRH (EHESS), membre du comité de rédaction d’Images re-vues depuis 2005, elle est spécialiste des questions de genre et de parenté et a publié de nombreux articles dans des revues d’histoire, d’histoire de l’art et d’anthropologie. Sa thèse, La parenté hagiographique, XIII-XVe s. a été publiée aux éditions Brepols en 2014, elle prépare un livre intitulé Transgenre au Moyen Âge ? aux éditions Arkhê.
En duo avec l’artiste Louise Hervé elle a fondé l’I.I.I.I. (International Institute for Important Items) en 2001, au sein duquel elles réalisent des performances, des films de genre et des installations. Le Credac (Ivry-sur-Seine), Kunsthal Aarhus (DK), Passerelle (Brest), Contemporary Art Gallery (Vancouver, CAN), la Synagogue de Delme, le FRAC Champagne Ardenne et le Kunstverein Braunschweig (DE) ont organisé des présentations solo de leur travail. Elles ont publié Attraction étrange, éditions JRP (2013), Spectacles sans objet/Spectacles without objects, Editions P et Pork Salad Press, 2016, L’Iguane, ed. Thalie Foundation, 2018.
Elle est professeure d’histoire et théorie des arts à l’ESAD Angers.

Et aussi
Conférence de Grace Ndiritu  en conversation avec Chloé Maillet et Natsuko Uchino
Lundi 4 mars 2019 à 18h.
ESAD Angers Salle TO.
Entrée libre.
Conférence en anglais.

 

Rencontre avec Nicolas Lelièvre et Étienne Candel 02.03.2019

La poésie est-elle morte ? Quel est le point commun entre  « vide couple »,  « flemme olympique », « bêle bête » et La Recherche du temps perdu ?  L’avènement du numérique a-t-il fait naître un nouveau langage ?
Chacun à sa manière, Étienne Candel et Nicolas Lelièvre détournent, bousculent, façonnent les mots. Des univers nouveaux, déroutants et instables, apparaissent.
On croyait avoir tout dit sur le chef d’œuvre de Proust. C’était jusqu’à ce que Nicolas Lelièvre s’en empare et nous en propose un tout nouvel arrangement. On croyait que le nombre caractères fixés par Twitter limitait nos échanges à des donnés factuelles. C’était jusqu’à ce que les « ironèmes » d’Étienne Candel inondent la toile.

Professeur de lettres modernes, diplômé en littérature comparée et en français langue étrangère,  eMMaNuel vasliN (@emmanuel_vaslin) est un observateur assidu des nouvelles approches du langage.
Il animera la rencontre entre Nicolas Lelièvre et Étienne Candel.

Rencontre – dédicace – verre / librairie du musée
Heure: 16h30 – 18h30
Entrée libre

 

Ironèmes d’Étienne Candel. C’est une boîte qui conserve, sur 47 mètres de rouleau, quelque 900 textes prélevés dans le flux continu d’écriture qui caractérise leur auteur sur les réseaux numériques. Étienne Candel produit en effet, au quotidien, ces altérations minimales du langage. Représentant plusieurs dizaines de milliers de textes sur environ six ans, les ironèmes prolifèrent comme dans un carnet permanent d’écritures sauvages. Lapsus, traits d’esprit, détournements surprenants, faux proverbes, manipulations amusées, expressions erronées, ils détournent la langue de son usage ordinaire et laissent deviner un autre monde possible, d’autres significations, d’autres façons de voir, comme dans les rêves.
Dérobés au flux et désormais conservés dans leur livre-boîte, les ironèmes ainsi publiés font se rejoindre la forme du rouleau médiéval et les défilements contemporains des écrans. Le travail éditorial est signé Peuple caché, collectif discret, activiste du renouvellement des formats.
Étienne Candel travaille dans les marges : d’abord poète sur les espaces libres de ses cahiers de bachot, il explore le champ des ironèmes et en théorise progressivement les contours. Il publiera bientôt une réhabilitation pratique des ordures et encombrants (Discours sur le déchet, à paraître chez Surfaces Utiles, 2019). Dans sa démarche artistique où il fait dialoguer recherche et création, il collabore avec des graphistes, peintres, codeurs. Il prépare actuellement un catalogue et un bestiaire impossible. https://ironemes.peuplecache.com
Twitter: @etienne_cdl

 

Dans l’ordre de Nicolas Lelièvre présente l’intégralité du premier volume d‘À la Recherche du Temps Perdu de Marcel Proust réarrangée dans l’ordre alphabétique. Du récit, des personnages et des situations ne subsiste que la matière première. Feuilleter cette longue liste propose pourtant une véritable expérience visuelle au gré des répétitions et des variations typographiques. Parfaitement arbitraire, le classement produit également de nouvelles associations d’idées et de sensations.
La Recherche « en kit », à regarder plutôt qu’à lire, entre littérature et statistique. Un voyage plastique dans le champ lexical proustien.
Architecte diplômé en 2001, Nicolas Lelièvre s’est d’abord consacré aux images. Si les espaces urbains et la matière des images numériques demeurent parmi ses terrains de jeu favoris, c’est un questionnement plus global du réel qui fait évoluer sa pratique au fil des projets. Chaque proposition examine un fragment précis puisé dans la réalité immédiate et tente d’en construire une pensée à expérimenter. Ces détours visuels, spatiaux ou encore sémantiques font indifféremment appel à la photographie, la vidéo, l’informatique, l’écriture, la construction d’objets ou encore l’intervention in-situ.
www.nicolaslelievre.com

 

 

 

 

1968. Sparte rêve d’Athènes / 06.07-31/10/2018

Exposition 1968. Sparte rêve d'Athènes

“ Ce dont on ne peut parler, il faut le taire ”, écrivait Wittgenstein.

Comment s’est exprimée la mutation en art en 1968 et à travers quels moyens d’expression? Cacophonie ou silence? La mutation a-t-elle précipité la fin de la peinture au profit d’autres formes d’expression?

A travers des figures majeures de l’Art Minimal, du Pop Art et de l’Art Conceptuel, 1968. SPARTE RÊVE D’ATHÈNES tente de proposer une réponse à ce questionnement. Elle se déploie trois mois durant le dernier étage du musée et réunit des œuvres d’artistes phares de la fin des années 60 à nos jours : Claes Oldenburg, Maria Marshall, Bernar Venet et bien d’autres. Plongées le paysage inattendu du Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain, des œuvres d’art ayant profondément modifié l’histoire de l’art dessinent un parcours entre mémoire, rêverie et utopie.
1968. SPARTE RÊVE D’ATHÈNES tente de faire le point sur la crise de la peinture à la fin des années 60. La résistance/ rébellion contre le modèle établi a-t-elle donné naissance à un nouveau langage contemporain ?

 

Tony Smith, The Maze, 1957

 

Ce dont on ne peut parler, il faut le taire ”, écrivait Wittgenstein.

Comment s’est exprimée la mutation en art  en 1968 et à travers quels moyens d’expression? Cacophonie ou silence? La mutation a-t-elle précipité la fin de la peinture au profit d’autres formes d’expression?
A travers des figures majeures de l’Art Minimal, du Pop Art et de l’Art Conceptuel, 1968. SPARTE RÊVE D’ATHÈNES tente de proposer une réponse à ce questionnement. Elle se déploie trois mois durant le dernier étage du musée et réunit des œuvres d’artistes phares de la fin des années 60 à nos jours : Claes Oldenburg, Maria Marshall, Bernar Venet et bien d’autres. Plongées le paysage inattendu du Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain, des œuvres d’art ayant profondément modifié l’histoire de l’art dessinent un parcours entre mémoire, rêverie et utopie.
1968. SPARTE RÊVE D’ATHÈNES tente de faire le point sur la crise de la peinture à la fin des années 60. La résistance/ rébellion contre le modèle établi a-t-elle donné naissance à un nouveau langage contemporain?

Art & Language / Victor Burgin / Dan Graham / Les Levine / Maria Marshall / Edward Rusha / Tony Smith / Bernar Venet

 

Maria Marshall when I grew up I want to be a cooker, 1998

1968. SPARTE RÊVE D’ATHÈNES
06/07-31/10/2018
Tous les jours de 10h à 19h

PAS SAGE / DJ SET ELECTRO/ 19 MAI 2018 / NUIT DES MUSEES

nuit des musées

Violoniste de formation (1er prix au Conservatoire Royal de Bruxelles), Olivier Slabiak aka OS69 a fondé en 1992, avec son frère, le groupe de musique tziganes et yiddish « Les Yeux Noirs » avec lequel il parcourt le monde entier et enregistre 8 albums. Il est nominé en 1994 aux Victoires de la Musique. Lors de cette aventure au cœur de ses propres racines juives d’Europe de l’Est, Olivier développe son goût pour les sonorités électroniques et mêle le répertoire traditionnel à l’univers de la pop et de l’électro-acoustique.

Le 19 mai il sera l’invité du Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain pour un DJ set exclusif de 22h à minuit. Au violon et aux platines, Olivier vous entraîne sur le dancefloor pour une nuit des musées tout sauf sage.

 

Pratique
Tarif: 7,30€
Prévente sur place ou par tel. 02 41 67 12 60

La Peau de Chagrin 14 septembre 2018 19H30

La peau de Chagrin Balzac

19h30
Cour du château
Durée: 1h20

La Peau de Chagrin c’est une belle histoire, celle d’un suicide différé: l’histoire d’une vie.
C’est le premier grand roman qu’Honoré signe de son nom: Balzac. Il y met tout ce qu’il est alors, son histoire personnelle, ses nombreux échecs et ses dernières forces. Car il n’est pas encore l’auteur de la Comédie Humaine: pour l’instant, pour lui, pas grand-chose n’a marché.

Le mythe de Faust ne lui sert pas à trouver le sens de la vie, mais à en prendre la mesure. Quelle quantité de vie a-t-on? Et si nous en avions conscience, qu’en ferions-nous? De cette Peau qui rétrécit Balzac tire le plus romantique roman. Sur scène, quatre acteurs vous préparent une danse macabre, un feu de joie, un inquiétant banquet où cette Peau de Chagrin réduirait sans rien perdre de son goût.

Le Nouveau Théâtre Populaire

Le Nouveau Théâtre Populaire est un collectif, qui crée en 2009, un festival de théâtre en plein air à Fontaine-Guérin (49). Le festival grossit, jusqu’à présenter en alternance six spectacles par édition. Il a lieu chaque été, au mois d’août.
La troupe a aussi grossi au fil des ans. Aujourd’hui, elle rassemble vingt membres : Pauline Bolcatto, Valentin Boraud, Julien Campani, Philippe Canalès, Baptiste Chabauty, Léo Cohen- Paperman, Thomas Chrétien, Emilien Diard-Detœuf, Clovis Fouin, Frédéric Jessua, Joseph Fourez, Sophie Guibard, Elsa Grzeszczak, Lazare Herson- Macarel, Lola Lucas, Morgane Nairaud, Antoine Philippot, Julien Romelard, Claire Sermonne et Sacha Todorov.
Le fonctionnement de la troupe est démocratique, toutes les décisions sont prises collectivement, mais chaque spectacle a un metteur en scène qui conserve sa singularité artistique. Sans vouloir affirmer de dogme, le Nouveau Théâtre Populaire se reconnaît dans les valeurs de Jean Vilar : grands textes, prix bas, décentralisation.
Ont été déjà montés au festival : Andersen, Brecht, Büchner, Claudel, Corneille, Feydeau, Fosse, Hugo, Maeterlinck, Molière, Novarina, Perrault, Shakespeare, Rabelais, Singer, Sophocle, Tchekhov, Winsor Mc Cay ainsi que deux créations collectives sur la Ve République et la 1ère Guerre Mondiale. En 2018, pour la Xe édition, le festival sera consacré à La Comédie humaine d’après Balzac.

Subventionné par l’Entente-Vallée (Beaufort-en-Anjou, Les Bois d’Anjou, Mazé-Milon, La Ménitré), le Ministère de la Culture-drac Pays-de-la- Loire et la Région Pays-de-la-Loire. Avec le soutien du Théâtre National Populaire, du Quai-CDN d’Angers, et des communes Beaufort-en-Anjou, Loire-Authion, Baugé-en-Anjou.

Réservations à partir du 23 juillet
par téléphone, de 15h à 18h : 02 53 20 32 99, du lundi au samedi et les dimanche 19 et 26 août et sur
www.festivalntp.com

Tarif au choix: 5€, 10€ ou 15€.
Dans un idéal de démocratisation culturelle, nous proposons une tarification où chacun peut choisir le prix de sa place sans avoir à justifier de sa situation

Art Conceptuel conférence 28 mai 2018

Couronnement d’un cycle de conférences organisées par le Rotary, sur l’évolution de la peinture des impressionnistes à l’art conceptuel, le lundi 28 mai Géraldine Bretault revient sur l’aventure du mouvement Art & Language qui révolutionna radicalement l’histoire de l’art à la fin des années 60 en inventant l’art conceptuel. Au Château de Montsoreau-Musée d’art contemporain en Val de Loire, Géraldine Bretault rencontre Philippe Méaille, collectionneur et fondateur du musée.
La conférence sera suivie d’une visite commentée et d’un cocktail.

Tarifs
Adulte : 14€
Enfant (-14 ans): 8€
Informations / réservations: 02 41 67 12 60

Diplômée de l’École du Louvre en histoire de l’art et en muséologie, Géraldine Bretault est guide-conférencière et traductrice dans le secteur culturel, collaboratrice régulière de l’ICOM, de l’INHA, de la revue de design Étapes. Ses conférences privilégient l’interdisciplinarité, ouvrant l’histoire de l’art à l’architecture, la danse, la littérature. Elle est l’auteur de plusieurs audioguides d’expositions et de parcours urbains. 

Parole de conservateur conférences 2018

Vendredi 25 mai, 18h
A propos de Desbois, Rodin et Claudel : représenter la vieillesse, la modernité en sculpture.

“Oser représenter le corps féminin dans sa déchéance de la vieillesse prend pour Desbois, Rodin et Claudel la forme d’un manifeste expressionniste du réalisme en sculpture. Les trois artistes dépassent l’aspect littéral, superficiel de cette représentation en cherchant à atteindre ainsi la vérité. Ils renversent la définition académique du Beau attaché à un corps féminin idéalisé pour revenir à l’Homme en lui-même. Cette recherche est partagée par plusieurs sculpteurs dans les années 1880 comme Constantin Meunier, toutefois le triptyque que constituent la Vieille Heaulmière de Rodin, la Misère de Desbois et Clotho de Camille Claudel concentrent tout particulièrement notre regard sur ces trois artistes et les relations qu’ils entretiennent.
Lorsque ces œuvres ont été exposées, la critique artistique a mis en avant la violence de cette représentation. L’aspect philosophique du rapport au corps entre la sculpture et le spectateur est venu justifier cette révolution de l’expression. Celle-ci va introduire les changements d’échelle, le dérouler des mouvements, les déformations, le fragment, ouvrant la porte à l’art moderne.
Ces œuvres jouent aussi un rôle personnel pour chacun de ces artistes qui vont révéler les luttes et les drames de leur vie. Ainsi Desbois en fera un manifeste à la hauteur du conflit de la Première Guerre mondiale” ( Sophie Weygand).

Sophie Weygand est Conservateur en chef, responsable de la conservation départementale des musées de Maine-et-Loire et depuis 1995,  en charge de la politique « musées » du département. Elle a été responsable du projet de transfert du musée Jules-Desbois à Parçay-les-Pins (ouvert en 2001) musée associatif devenu municipal, puis de 2001 à 2011, chef de projet de la rénovation du musée Joseph-Denais à Beaufort-en-Vallée. La conservation assure l’encadrement scientifique du réseau de la direction associée des musées municipaux (DAMM) et des collections des musées Jules-Desbois à Parçay-les-Pins, Joseph-Denais à Beaufort-en-Vallée, du musée de Baugé, et du musée de la vigne et du vin d’Anjou à Saint-Lambert-du-Lattay.

Vendredi 15 juin, 18h
Le Château de Montsoreau au XVe siècle et sa place dans l’architecture du Val de Loire

Dans la décennie 1450, Jean II de Chambes, proche conseiller du roi Charles VII, fait entièrement reconstruire le château de Montsoreau sur l’emplacement qu’il occupe depuis la fin du Xe siècle.
Le grand corps de logis, la haute cour, la basse cour avec la chapelle et les communs, les abords du château forment un vaste ensemble foncier et architectural au cœur même du village de Montsoreau. L’étude du monument et des archives qui s’y rapportent permet de mieux appréhender la façon dont a été construit le château, la fonction des différents espaces, mais également de le replacer dans le contexte de la création architecturale en Val de Loire au milieu du XVe siècle.

Emmanuel Litoux est responsable du Pôle Archéologie de la Conservation du Patrimoine de Maine-et-Loire. Ses recherches l’ont conduit à se spécialiser dans le suivi archéologique des travaux de restauration sur les Monuments Historiques, parmi lesquels les châteaux de Montsoreau, de Saumur, d’Angers, du Plessis-Macé ou le prieuré de Saint-Rémy-la-Varenne.

Vendredi 7 septembre, 18h
La mémoire du roi René : arts et musique du XVe au XXe siècle.

Le roi René est resté dans la mémoire des angevins une figure majeure de l’histoire locale portée par des œuvres d’art. Au cours des temps, c’est un véritable hommage « national » angevin qui prend forme, comme une réponse à celui tout aussi vivace de Provence. Tous y participent, et les initiatives de particuliers trouvent une écoute attentive auprès des institutions. C’est ainsi un moment d’unité qui se cristallise autour d’une statue à Angers. Cependant, le souvenir prend aussi bien d’autres formes au fils des ans, au gré des angles de vue choisis par les peintres, musiciens et autres artistes, qu’ils soient français ou étrangers.

Tarif: 3€

Etienne Vaquet est Conservateur du patrimoine au sein du Département de Maine-et-Loire. Il participe à la préservation, à la restauration et à la mise en valeur du patrimoine angevin. Il a ainsi travaillé à différentes expositions sur des sujets variés, tels « L’Europe des Anjou », « Dies solemnis, le Grand Sacre d’Angers » ou encore « Saint Louis et l’Anjou ». Au travers de nombreux articles, il présente les résultats de ses études sur l’art et l’histoire de l’Anjou.

Quatre fois plus de lanternes 15 août 2019

A la nuit tombée, le ciel  s’illumine de lanternes célestes au-dessus de la Loire.

Utilisées depuis plusieurs siècles en Asie du Sud-Est, les lanternes célestes sont conçues à partir de papier de riz fixé sur un cercle de bambou. D’après la tradition populaire chinoise, la lanterne Kongming, fut inventée par l’un des plus brillants tacticiens de l’époque des Trois Royaumes Zhuge Liang (181-234 ap. J.C.) plus connu sous le prénom social de Kongming. Par la suite, elles furent utilisées pour la signalisation militaire. Dans l’ensemble des territoires formant la Chine historique furent par la suite employées à des applications non-militaires à l’occasion de fêtes populaires comme le festival de  Pingsi à Taïwan.

Les lanternes sont en vente au prix de 3€ dans la librairie du musée.
Horaire:  22h30.
Lieu: Quai Alexandre Dumas, au pied du château.
L’événement aura lieu sous réserve des conditions météorologiques.

 

DJ SET ANIME PAR  FLOWER POWER CREW : 21h30-23h30
DJ set dans les jardins du château (gratuit)
Tech-House, Techno, House, Deep-House : underground music.

BUVETTE